1. Tarsila para Amaral
Tarsila do Amaral (1886-1973) es considerada una de las más grandes pintoras de Brasil. Escribió, por ejemplo, el famoso cuadro abaporúuna de las obras más importantes de nuestra cultura.
La artista plástica, nacida en el interior de São Paulo (en Capivari), era hija de una familia tradicional y acomodada de la región, propietaria de una serie de haciendas.
A pesar de haber nacido en Brasil, Tarsila hizo gran parte de su formación artística en Europa, habiéndose mudado a Barcelona a los 16 años. Además de vivir en España, también estudió en París, donde entró en contacto con el arte moderno, que él más tarde ayudó a traer a Brasil.
Las obras de Tarsila son muy variadas, pero podemos destacar una característica común, que es la un deseo de representar a la gente y los paisajes de Brasil. Tarsila fue la pintora de temas tropicales, de la zona rural de Brasil, pero también retrató la ciudad que se modernizaba con la transformación normal del proceso industrial.
El pintor utilizó a menudo los colores de la bandera nacional en sus lienzos, además de representar una serie de personajes folclóricos de nuestra cultura como el cuco, por ejemplo.
A pesar de que elogió mucho a nuestro país, Tarsila no falló crítica social. yo abaporúpor ejemplo, enfatizando la devaluación del trabajo intelectual al pintar una cabeza pequeña en lugar de extremidades enormes.
En cuanto al estilo, Tarsila comenzó pintando cuadros inspirados en los cubanos, pero luego comenzó a practicar un estilo más realista e incluso experimentó con contornos geométricos.
La crítica ha dividido la producción del artista en tres fases bien diferenciadas: Pau-Brasil, Antropofágica y Social.
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2. Anita Malfatti
Uno de los principales responsables de restauración de la pintura en nuestro país Ella era Anita Malfatti (1889-1964), hija de un profesor de pintura estadounidense y un ingeniero italiano.
Anita, quien perdió a su padre a una edad temprana y tuvo que formarse como maestra antes de cumplir los 18 años, comenzó sus primeros trabajos con las artes visuales, bajo la influencia de su madre.
A los 21 años, la joven se fue a vivir a Berlín, apadrinada por un tío, donde desarrolló su talento asistiendo a la Academia Imperial de Bellas Artes. Fue en Europa donde Anita conoció el cubismo y el expresionismo, que influyeron en su arte.
Además de Alemania, el pintor también estudió en Nueva York y París. Cuando volvió a Brasil, debutó en 1914, reuniendo a muchos amigos importantes en el mundo del arte, como Di Cavalcanti.
Anita se convirtió en uno de los grandes nombres de la pintura moderna, cosechando elogios, pero también críticas, como las realizadas por Monteiro Lobato.
el tonto, uno de sus cuadros más famosos, fue pintado entre 1915 y 1916 y tiene elementos cubistas y futuristas. Realizada con amplias pinceladas, la pintura tiene un fondo abstracto y mucho la influencia del expresionismo por utilizar el contraste entre colores y por dar valor a un personaje solitario que podría estar angustiado.
Anita fue una revolucionaria en Brasil -y también fue muy criticada- cuando abandonó el realismo y mostró en su obra las que consideraba las cualidades más importantes, aunque tuvo que distanciarse de la realidad y el uso de colores inesperados.
El pintor estaba particularmente interesado en temas diarios, muchas veces de su universo personal, y no creía tener que ser rehén del compromiso con la realidad. Su obra rompió con el rigor académico que imperaba en su propia generación y en las anteriores.
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3. Adriana Varejao
Adriana Varejão (1964) es uno de los nombres más importantes de las artes visuales contemporáneas con trabajos no solo en pintura, sino también en escultura, fotografía e instalación.
Nacida en Río de Janeiro, la joven asistió a la Escola de Artes Visuais do Parque Lage en 1983 y pronto abrió su primer estudio en el sur de Río de Janeiro.
Al comienzo de su carrera, Adriana viajó a los Estados Unidos donde desarrolló gran parte de su lenguaje personal. Premiados en Brasil y en el exteriorel artista va creando diferentes obras que pasan por diferentes estilos y medios.
La obra ruinas de carne es un ejemplo de mucho de lo que se puede encontrar en la obra del artista: piezas que trabajan con la idea de lo que queda (los restos), la violencia, el canibalismo, la destrucción, la historia y el monumento. también hay muchos influencia barroca en su creación por la presencia de los azulejos, que se convirtieron en una especie de marca registrada del artista.
Hoy sus obras se pueden encontrar en importantes centros como Londres (Tate Modern), Nueva York (Guggenheim) y Tokio (Museo Hara). En Brasil, la mayoría de sus obras se encuentran en el Centro Inhotim de Arte Contemporáneo, en Minas Gerais.
4. Vik Muñiz
Nacido en São Paulo, Vik Muniz (1961) hizo su carrera en los Estados Unidos y utilizó materiales cotidianos inusuales como la mantequilla de maní y la mermelada en su trabajo.
Licenciado en publicidad, el joven se fue a Estados Unidos a probar su vida cuando tenía 22 años.
Además de obras en las que recrea imágenes célebres como la Mona Lisa o los retratos de Freud y el Che Guevara, Vik Muniz desarrolla obra 100% original a partir de temas inesperados.
El rasgo más característico de la obra de Vik Muniz es la composición a partir de materiales perecederos que normalmente no se utilizan en el entorno artístico, como ketchup, azúcar, frijoles, café y chatarra. tambien hay fuerte Conciencia social en sus creaciones, el artista es un provocador que quiere llamar a su audiencia a pensar.
Vik Muniz, a través de sus obras, busca resaltar los problemas sociales y ambientales de nuestro tiempo. Una de sus obras más famosas quedó registrada en el documental basura inusual (2010).
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5. Helio Oiticica
Por sus performances, el carioca Hélio Oiticica (1937-1980) dejó su nombre inscrito en las artes visuales en obras relacionadas con la pintura y la escultura.
Referencia de arte concretoOiticica aprendió sus primeras lecciones de arte en casa de su padre, que era fotógrafo y pintor.
Hélio comenzó a realizar sus primeras exposiciones a principios de la década de 1950 y, en esa misma década, conoció a otros neoconcretistas como Lygia Clark y Ferreira Gullar.
Al igual que sus colegas, Oiticica creía que el público era parte del trabajo arte, y era natural que pudiera sentir la pieza, tocar, usar o incluso oler la creación del artista.
paraangolo, su obra más famosa, consiste en capas muy coloridas que viste el público. La idea era que, mientras bailaban con ella, las capas hicieran un movimiento liberador.
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6. Beatriz Milhazes
Es conocida por la carioca Beatriz Milhazes (1960). marcos coloridos abstractosque está lleno de formas geométricas, así como el uso frecuente de arabescos y flores
Beatriz Milhazes no solo pinta, crea grabados, collages, ilustraciones, instalaciones y decorados (muchos para su hermana, Márcia, que dirige una compañía de danza).
Licenciada en Comunicación Social, la artista plástica comenzó a crear cuando ingresó a la Escuela de Artes Visuales Parque Lage.
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