abaporú es una pintura clásica del modernismo brasileño, de la artista Tarsila do Amaral. Considerado una obra maestra de la autora, el lienzo fue pintado al óleo en 1928 para ser ofrecido a su entonces esposo, el escritor Oswald de Andrade.
En la imagen vemos la valorización del trabajo manual (nótese el enorme pie y mano) y la devaluación del trabajo mental (nótese la diminuta cabeza).
El nombre de la obra es de origen tupí-guaraní y significa "hombre que come gente(caníbal o antropófago). El título del lienzo es el resultado de una combinación de los términos pestaña (hombres), maldita sea (gente y tu (comer).
El lienzo fue pintado por Tarsila en enero de 1928 y entregado a su esposo, el escritor Oswald de Andrade, como regalo de cumpleaños.
Cuando Oswald recibió el lienzo, quedó encantado de inmediato y dijo que era la mejor pintura que Tarsila había pintado jamás. Los elementos que aparecen en el lienzo, en especial la insólita figura del centro, despertaron en Oswald la idea de crear el Movimiento Antropofágico.
El Movimiento consistió en la absorción de la cultura extranjera, incorporándola a la realidad brasileña para dar lugar a una cultura nueva, transformada, moderna y representativa de nuestra cultura.
Conozca un poco más sobre la vida y obra de Tarsila do Amaral.
Análisis de trabajo abaporú
Esta obra marca la etapa antropofágica de la pintora Tarsila de Amaral, que transcurre entre 1928 y 1930. Es posible identificar rasgos característicos de los artistas como la elección de colores fuertes, la inclusión de temas imaginarios y la cambio de realidad.
En el cuadro vemos a un hombre de grandes pies y manos, además del sol y un cactus. Estos elementos pueden representar el trabajo físico que era el trabajo de la mayoría de la población brasileña en ese momento.
Por otro lado, cabeza pequeña puede significar falta de pensamiento críticoque se limita a trabajar duro, pero sin pensar demasiado, siendo así una posible crítica a la sociedad de aquella época.
El hombre representado en Abaporu transmite cierta melancolía, ya que la posición de la cabeza y la expresión denotan cierta tristeza o depresión. Además, el pie grande también puede revelar una fuerte conexión del ser humano con la tierra.
La técnica del gigantismo ya la había practicado Tarsila en pantalla el negropintado en 1923:
En cuanto a los colores utilizados en abaporúparece haber una clara alusión a la cultura brasileña, ya que se enfatiza el verde, el amarillo y el azul, los colores predominantes de la bandera brasileña.
El cactus hace referencia a la vegetación de las regiones secas, como es el caso del noreste, y el sol simboliza la dura rutina del trabajador rural.
Tarsila, en correspondencia intercambiada en 1924, dejaba claro su deseo de convertirse en pintora de su tierra:
Me siento cada vez más brasileño: quiero ser el pintor de mi tierra. Qué agradecida estoy de haber pasado toda mi infancia en la granja. Los recuerdos de esa época se están volviendo preciosos para mí. Quiero, en el arte, ser la caipirinha [da fazenda] de São Bernardo, jugando con muñecos de monte, como en el último cuadro que pinté.
Muchos críticos de arte tienden a asociar el lienzo de Tarsila do Amaral con la célebre escultura O Pensador, de Rodin, llegando incluso a sugerir que Abaporu es una reinterpretación de la célebre obra del escultor francés.
El caso es que en ambas creaciones vemos a un único protagonista, solitario, con aire pensativo y con la mano apoyada en la cabeza con una postura corporal similar.
Observación detallada de abaporú
1. cactus
El cactus es un elemento característico de la flora del Nordeste y, por lo tanto, una imagen simbólicamente utilizada para retratar la brasilidad.
Por ser una planta típica de los lugares áridos, el cactus es un recordatorio de la sequía y la resistencia y establece un paralelo con el pueblo brasileño, célebre por su capacidad de resiliencia.
Vale recordar que el cactus retratado por Tarsila es, como la tierra, verde, un color muy querido a la identidad nacional por su fuerte presencia en la bandera.
2. sol
Símbolo del calor y la energía que da vida, el sol pintado por Tarsila también impone duras condiciones de trabajo a los trabajadores rurales.
En el lienzo, es curioso que la figura del sol se asemeje a la representación de un ojo, que se sitúa sobre la figura y el cactus, pareciendo observar la escena.
En la composición de la obra, el lugar elegido para el sol es central e intermedio entre el cactus y el rostro humano. Parece que la luz emana y permite la vida tanto de la flora como de la fauna.
El amarillo del sol -así como el azul del cielo- también está presente en el color de la bandera nacional, dando a la obra otro rastro de brasilidad.
3. Cabeza pequeña
La cabeza deformada es uno de los elementos que más llama la atención del cuerpo desproporcionado imaginado por Tarsila. No por casualidad, el pintor nombró al sujeto una "figura monstruosa".
No es posible distinguir los rasgos de la criatura en cuestión, por lo que no sabemos si es hombre o mujer.
Sin boca, no es posible interpretar con certeza la expresión del personaje con la cabeza de alfiler, excepto por el hecho de que su rostro está apoyado en su brazo (¿es eso una señal de fatiga?).
Ajeno a lo que sucede a su alrededor, el rostro tampoco tiene orejas y está muy cerca del sol. Una de las teorías más populares entre los expertos es que la cabeza pequeña es un signo de la condición del devaluación del trabajo intelectual en nuestro país.
4. Pie y mano enormes
El protagonista (¿o el protagonista?) elegido por Tarsila es una figura sumamente desproporcionada, sobre todo si comparamos las dimensiones de la cabeza y las extremidades derechas (se omiten las izquierdas).
Brota de la Tierra, se sienta en el suelo, como el cactus, mostrándose íntimamente conectado con el suelo.
Los pies y manos agrandados resaltan el sufrimiento del trabajador brasileño, la excesiva importancia dada a la fuerza manual y al trabajo físico frente a la desvalorización del trabajo intelectual.
Otra posible lectura del enorme tamaño del pie es el deseo del pintor de subrayar la conexión del hombre con la Tierra.
Contexto histórico
abaporú fue pintado en la década de 1920, un período especial para el país que vivía el final de la Antigua República.
La Antigua República duró muchos años, comenzando el 15 de noviembre de 1889 (con la proclamación de la República) y finalizando con la Revolución de 1930, que depuso a Washington Luís, último presidente de la Antigua República.
Tanto Brasil como especialmente la ciudad de São Paulo estaban dando grandes pasos hacia el desarrollo. La década de 1920 estuvo fuertemente marcada por la industrialización.
En términos artísticos, 1922 fue un año clave para la intelectualidad brasileña. En febrero de 1922, el Teatro Municipal de São Paulo acogió la Semana de Arte Moderno, evento que reunió a pintores, escultores, compositores, músicos y escritores. El evento había sido planeado desde finales del año anterior - 1921 - por Di Cavalcanti y Marinette Prado (esposa de Paulo Prado).
Los artistas se unieron con el deseo de frenar la ruptura radical con el arte actual, al que consideraban conservador. En común, los intelectuales trajeron un bagaje cultural lleno de lecciones aprendidas en Europa. Buena parte de los artistas habían pasado temporadas en el viejo continente y, al volver a casa, querían poner en práctica las novedades que habían visto.
En la Semana de Arte Moderno participaron grandes nombres del panorama cultural nacional como:
- Mário de Andrade (literatura);
- Osvaldo de Andrade (literatura)
- Sérgio Milliet (literatura);
- Menotti Del Picchia (literatura);
- Ronald Carvalho (literatura);
- Villa Lobos (música);
- Víctor Brecheret (escultura);
- Di Cavalcanti (pintura);
- Anita Malfatti (pintura)
- Vicente do Rego Monteiro (pintura)
Tarsila do Amaral no participó del evento porque estaba en París, pero cuando regresó a Brasil, se unió al Grupo dos Cinco. Anita Malfatti, su amiga de las clases de pintura, fue quien la presentó al grupo que también tenía como integrantes a Mário de Andrade, Menotti del Picchia y Oswald de Andrade.
Tarsila se enamoró del escritor Oswald de Andrade y los dos terminaron casándose. En 1923, el Grupo dos Cinco se disolvió porque tanto Anita como la pareja Tarsila y Oswald emigraron a París.
Información práctica sobre el marco.
El cuadro abaporú fue adquirida en 1995 por el coleccionista argentino Eduardo Constantini a través de una subasta realizada en Nueva York. El valor de venta? Apenas 1,5 millones de dólares.
El lienzo se encuentra actualmente en exhibición en el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires). Se especula que la obra maestra de Tarsila es la obra brasileña más valorada en el mundo, habiendo alcanzado el mayor valor de venta en la historia del negocio de la pintura en el país.
Durante los Juegos Olímpicos de 2016, con sede en Brasil, abaporú participó en la exposición denominada el color de brasilcelebrada en Río de Janeiro.
En marzo de 2011, el abaporú fue nuevamente prestado al gobierno brasileño por MALBA. Esta vez el lienzo vino a formar parte de la exposición Mujeres, Artistas y Brasileñas, diseñado por la entonces presidenta Dilma Rousseff. La exposición se realizó en la Sala Oeste del Palácio do Planalto, en Brasilia, y reunió 80 obras del siglo XX pertenecientes a 49 mujeres artistas de Brasil.
En cuanto a las dimensiones, óleo sobre lienzo. abaporú tiene ochenta y cinco centímetros de alto y setenta y tres centímetros de ancho. abaporú es considerada por muchos historiadores del arte como la pintura más importante producida en Brasil.
relectura de abaporú por Romero Brito
O abaporú tuvo gran influencia en varios artistas brasileños. Romero Britto, pintor y escultor de Recife (Pernambuco) establecido en los Estados Unidos, por ejemplo, produjo una pintura que es una reinterpretación de la obra abaporúde Tarsila do Amaral.
Deja una respuesta