La abstracción, o Arte Abstracto, es un movimiento que reúne expresiones muy diversas, desde dibujos no figurativos hasta lienzos hechos de composiciones geométricas.
Las obras abstractas tratan de resaltar formas, colores y texturas, revelando elementos irreconocibles y fomentando la lectura del mundo desde una forma de arte no objetiva.
1. Amarillo-Rojo-Azulpor Wassily Kandinsky
Los nombres de los colores principales están en el título del lienzo, fechado en 1925. Fue pintado por el ruso Wassily Kandinsky (1866), y actualmente se encuentra en el Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, en París (Francia) .
Kandinsky es considerado el precursor del estilo abstracto y fue un artista muy involucrado con la música, tanto que muchas de sus composiciones eran abstractas, por ejemplo Amarillo-Rojo-Azulcreado a partir de la relación entre la música, los colores y las formas.
El gran lienzo (127 cm por 200 cm) presenta diferentes formas geométricas (como círculos, rectángulos y triángulos), sobre todo, en colores primarios. El objetivo del artista era llamar la atención sobre los efectos psicológicos que los colores y las formas tienen en las personas.
Sobre el tema, Kandinsky dijo en su momento:
“El color es una forma de influir directamente en el alma. El color es la clave; el ojo, el martillo. El alma, el instrumento de mil cuerdas. El artista es la mano que recibe la vibración correcta del alma al tocar esta o aquella tecla. El alma humana, tocada en su punto más sensible, responde”.
dos. Número 5por Jackson Pollock
Hasta entonces Número 5 creado en 1948 por el pintor estadounidense Jackson Pollock, quien el año anterior comenzó a explorar una forma completamente nueva de componer sus obras.
Su método consistía en arrojar y gotear pintura de esmalte sobre un lienzo estirado colocado en el piso de su estudio. Con esta técnica era posible crear una maraña de líneas, y más tarde recibió el nombre de "pinturas de goteo" (o fluidoen inglés) Pollock fue uno de los nombres más importantes de la abstracción.
Desde 1940, el pintor ha sido reconocido por la crítica y el público. Hasta entonces Número 5realizado en el apogeo de su carrera, enorme, que mide 2,4 m por 1,2 m.
La obra fue vendida a un coleccionista privado en mayo de 2006 por 140 millones de dólares, rompiendo un precio récord en ese momento: hasta entonces era la pintura mejor pagada de todos los tiempos.
3. Ínsula Dulcamarapor Paul Klee
En 1938, el suizo alemán Paul Klee pintó siete grandes paneles horizontales. Ínsula Dulcamara en uno de esos paneles.
Todas las obras fueron abocetadas con carboncillo sobre papel periódico, que Klee pegó sobre una estopa o lino, obteniendo así una superficie lisa y diferenciada. En diferentes partes de los paneles es posible leer extractos del periódico utilizado, una grata e inesperada sorpresa incluso para el propio Klee.
Ínsula Dulcamara es una de las obras más deliciosas del pintor, con sus accesorios libres, escasos e informes. El título de la obra está en latín y significa "insula" (isla), "dulcis" (dulce, amable) y "amarus" (amargo), lo que puede interpretarse como "isla dulce y amarga".
El lienzo fue creado durante los últimos años de su vida y, al respecto, Klee hizo la siguiente declaración:
“No debemos tener miedo de involucrarnos entre los elementos más indigestos; solo tenemos que esperar que las cosas que son más difíciles de asimilar no alteren el equilibrio. De esta manera, la vida es definitivamente más emocionante que su muy ordenada vida burguesa. . Y cada cual es libre, según sus signos, de elegir entre lo dulce y lo salado de las dos balanzas".
4. Composición con amarillo, azul y rojo.por Piet Mondrian
Composición con amarillo, azul y rojo. se pintó originalmente en París entre 1937 y 1938, pero finalmente se desarrolló en Nueva York entre 1940 y 1942, cuando Mondrian reinstaló algunas de las líneas negras y agregó otras. La obra forma parte de la colección de la Tate St Ives (Cornualles, Inglaterra) desde 1964.
Mondrian estaba interesado en la calidad abstracta de la línea. Aunque comenzó su carrera con obras figurativas, con el tiempo el pintor invirtió en la abstracción y, en 1914, se radicalizó y prácticamente eliminó las líneas curvas de su obra.
El pintor francés desarrolló una nueva forma de intensa abstracción conocida como neoplasticismo, en el que se limitó a líneas rectas, horizontales y verticales, y colores básicos básicos. En general, sus composiciones no eran simétricas. Una curiosidad: normalmente las líneas horizontales se pintan antes que las verticales.
Mondrian sintió que esta forma particular de arte representaba una verdad mayor y más universal que la pintura figurativa.
5. composición suprematistaKazimir Malévich
Al igual que Mondrian, el pintor soviético Kazimir Malevich creó una nueva forma de arte. Oh suprematismo quien nació en Rusia entre 1915 y 1916. Al igual que sus colegas abstractos, su mayor deseo fue negar la presencia física de todos y cada uno de los objetos. La idea era alcanzar la pureza o, como dijo el propio creador, "la supremacía de la pura sensación".
Por lo tanto, creó la obra abstracta. composición suprematista en 1916, que presenta las características básicas de este nuevo estilo. Es una obra con unas dimensiones de 88,5 cm x 71 cm y forma parte de una colección privada.
La técnica se caracteriza por el uso de formas geométricas simples y la preferencia por una paleta de colores simples, primarios y secundarios, a veces superpuestos, otros colocados uno al lado del otro. El fondo es casi siempre blanco en las creaciones de Malevich, representando el vacío.
6. el oro de los firmamentospor Joan Miro
El español Joan Miró fue un artista que se comprometió a extraer grandes significados de formas simples, que dependen principalmente de la imaginación y la interpretación del espectador.
Este es el caso de el oro de los firmamentosun cuadro realizado en 1967 con la técnica del acrílico sobre lienzo y que hoy pertenece a la colección de la Fundación Joan MIró, en Barcelona.
En esta composición vemos un exceso de amarillo, un color cálido ligado a la alegría, que pertenece a todas las formas.
Hay una gran masa de humo azul, que parece fuera de lugar, ya que el resto de formas y líneas parecen flotar a su alrededor.
La obra es vista como una síntesis del proceso creativo de Miró, que se dedicó a explorar la espontaneidad y la creación de formas precisas en la pintura.
7. Una botella de ron y un periódicopor Juan Grey
Pintada entre 1913 y 1914 por el cubista español Juan Gris, la obra en óleo sobre lienzo pertenece actualmente a la colección de la Tate Modern (Londres). Gris se usa a menudo superponiendo planos de color y textura, y Una botella de ron y un periódico Es un valioso ejemplo de su técnica.
La pintura, que es una de sus obras más representativas, transporta la imagen desde planos angulares diagonales. Muchos de ellos tienen piezas de madera en el fondo, tal vez sugiriendo una mesa, aunque la forma en que se superponen e interconectan desmiente cualquier posibilidad de una perspectiva ligada a la realidad.
La botella y el periódico del título se muestran con pistas mínimas: unas pocas letras, un contorno y una sugerencia de ubicación son suficientes para transmitir la identidad de los contenidos. El marco tiene unas dimensiones relativamente pequeñas (46 cm por 37 cm).
8. negro a rojo intensopor Marcos Rothko
Fue considerada una pintura trágica por sus fuertes colores fúnebres, Negro en un mundo rojo, creada en 1957, es una de las pinturas más exitosas del pintor estadounidense Mark Rothko. Desde que comenzó a pintar en la década de 1950, Rothko apuntó a lograr la universalidad, en consonancia con una simplificación cada vez mayor de la forma.
Negro en un mundo rojo Continúa el formato característico de la obra del artista, en el que los rectángulos monocromáticos de color parecen flotar dentro de los límites del marco.
Al teñir directamente el lienzo con muchas capas finas de pigmento y prestando especial atención a los bordes donde interactúan las áreas, el pintor logró el el efecto de la luz que irradia de la propia imagen.
La obra se encuentra actualmente en una colección privada tras ser vendida en el año 2000 por más de tres millones de dólares.
9. Concepto espacial 'Atesa'por Lucio Fontana
El lienzo de arriba es parte de una serie de obras realizadas por el pintor argentino Lúcio Fontana mientras estuvo en Milán entre 1958 y 1968. Estas obras se llaman Tagli ("cortes") y consisten en lienzos que han sido cortados una o más veces.
En conjunto, son el grupo de obras más extenso y variado de Fontana, y pueden considerarse emblemáticos de su estética. El propósito de los agujeros es, literalmente, romper la superficie de la obra para que el espectador pueda percibir el espacio exterior.
Lúcio Fontana comenzó a desarrollar la técnica de los lienzos perforados en la década de 1940. El artista plástico, en las décadas de 1950 y 1960, siguió buscando diferentes formas de desarrollar los agujeros como signo distintivo.
Fontana hace los cortes con una cuchilla afilada y luego las pantallas se sujetan con una fuerte gasa negra, dando la apariencia de un vacío detrás. En 1968, Fontana le dijo a un entrevistador:
"Creé una dimensión infinita (...) mi descubrimiento fue el agujero y eso fue todo. Estoy feliz de irme a la tumba después de tal descubrimiento"
10 Anti-composición VIpor Theo van Doesburg
El artista holandés Theo van Doesburg (1883–1931) pintó la obra anterior en 1925, en formato cuadrado, utilizando pintura al óleo sobre lienzo.
Las formas geométricas y simétricas están cuidadosamente dispuestas, antes de ser cubiertas con tinta, las líneas negras fueron dibujadas con bolígrafo a priori.Anti-composición VI forma parte de una colección que valora especialmente la forma diagonal y los tonos monocromáticos.
Además de pintor, van Doesburg trabajó como escritor, poeta y arquitecto y estuvo asociado con el grupo de artistas De Stijl. La obra Anti-composición VI50 cm por 50 cm, en 1982 en la Tate Modern (Londres).
11 metaesquemapor Hélio Oiticica
El artista plástico brasileño Hélio Oiticica nombró como meta-esquemas muchas obras realizadas entre 1957 y 1958. Se trataba de cuadros que portaban rectángulos inclinados pintados con pintura gouache sobre cartón.
Son formas geométricas con marcos de cualquier color (en este caso rojo), aplicadas directamente sobre una superficie plana y aparentemente vacía. Las formas se organizan en composiciones compactas que se asemejan a cuadrículas inclinadas.
Oiticica realizó esta serie de fotografías mientras vivía y trabajaba en Río de Janeiro. Según el propio pintor, se trataba de una "disección del espacio".
Fueron el punto de partida de la investigación de un trabajo tridimensional más complejo que el artista desarrollaría en el futuro. En 2010, un metaesquema vendido en la subasta de Christie por $ 122,500.
¿Qué fue la Abstracción?
Históricamente, las obras abstractas comenzaron a desarrollarse en Europa a principios del siglo XX, en el contexto del movimiento de Arte Moderno.
Son obras que no pretenden representar objetos conocidos y no se comprometen a imitar la naturaleza. Por lo tanto, la primera reacción del público y la crítica fue rechazar las creaciones, que consideraban incomprensibles.
El arte abstracto fue criticado precisamente por romper con el modelo figurativo. En este tipo de trabajo, no hay necesidad de conectarse con la realidad y la representación externa.
Con el tiempo, sin embargo, las obras fueron más aceptadas y los artistas pudieron explorar sus estilos en profundidad.
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