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Música Análisis de la perfección por Legião Urbana

Jose — Wed, 12 Oct 2022 04:23:13 +0000

La música Perfección es una obra musical de la banda Legião Urbana y una crítica a la sociedad brasileña en particular ya las imperfecciones humanas en general.

Compuesta en los años noventa en sociedad entre Renato Russo, Dado Villa-Lobos y Marcelo Bonfá, es sorprendente cómo la música rock sigue siendo tan actual.

Perfección es el cuarto tema del disco El descubrimiento de Brasillanzado en 1993. Musicalmente es una canción muy especial porque no tiene estribillo y tiene letras largas y complejas.

Obtenga más información sobre la creación a continuación y descubra el significado detrás de la letra.

Carta

Celebremos la prudencia humana
La estupidez de todas las naciones
Mi país y su banda de sicarios
Cobardes, violadores y ladrones
Celebremos la estupidez de la gente
Nuestra policía y la televisión
Celebremos nuestro gobierno
Y nuestro estado, que no es una nación
Celebrando la desescolarización de la juventud
los niños muertos
Celebra nuestras diferencias
Celebremos a Eros y Thanatos
Perséfone y Hades
Celebremos nuestro dolor
Celebremos nuestra nobleza.

celebremos como idiotas
Cada mes de febrero y festivos
Todos los muertos en las carreteras
Los muertos por falta de hospital
Celebremos nuestra justicia
Santo y calumnia
Celebremos los prejuicios
El voto de los analfabetos
Celebra el agua podrida
Y todos los impuestos
Quemaduras, mentiras y secuestros
Nuestro castillo de naipes marcado
trabajo esclavo
nuestro pequeño universo
Toda hipocresía y todo cariño
Todo robo y toda indiferencia
Celebremos las epidemias:
Es la fiesta de los campeones.

celebremos el hambre
sin nadie que lo escuche
nadie a quien amar
vivamos lo malo
rompemos corazones
Celebremos nuestra bandera
Nuestro pasado de gloriosos absurdos
Todo es gratis y feo.
todo es normal
Cantemos juntos el Himno Nacional
(La lágrima es real)
Celebremos nuestro anhelo
Y celebrar nuestra soledad.

celebremos los celos
Intolerancia e Incomprensión
Celebremos la violencia
Y olvídate de nuestra gente
Que trabajó honestamente toda su vida
Y ahora ya no tienes derecho a nada
Celebremos el fenómeno
Fuera de nuestra total falta de sentido común
Nuestro desprecio por la educación
celebremos la genialidad
De todo esto - con pareja, velorio y ataúd
Todo está muerto y se ha ido ahora
Ya que también podemos celebrar
La persona que cantó esta canción es increíble.

Vete, mi corazón está atribulado
Cuando la esperanza se dispersa
Solo la verdad me hace libre
Mucha maldad e ilusión.

Vamos, la puerta siempre está abierta al amor.
Y llega la primavera -
Nuestro futuro comienza de nuevo:
Ven, lo que viene es la perfección.

Significado y análisis de la música.

La canción está llena de ironía y, a pesar de su título Perfección, aborda las imperfecciones que existen en el mundo. Además, se invita al oyente a celebrar estas imperfecciones, ya que parece una sociedad imperfecta vale más que una perfecta.

En la música se abordan algunos temas sensibles que representan problemas en Brasil, por ejemplo:

La criminalidad que azota al país, caracterizada por la estupidez. La letra también critica al gobierno, a la policía y al propio país, al que se describe como un estado, pero no como una nación, gracias a su desigualdad;
la falta de oportunidades para los jóvenes que no tienen acceso a la educación;
Comportamiento imprudente en el tráfico;
Una creciente falta de hospitales;
Las graves fallas de la justicia brasileña;
Analfabetismo;
abuso del voto;
explotación de la mano de obra;
Un sentimiento de celos y de incomprensión que termina con la falta de ayuda de los jubilados, gente que ha trabajado, pero que ha sido abandonada por su propio país.

De todas las cosas negativas que el oyente se anima a celebrar, también hay una invitación a celebrar la prostitución de quien canta este cántico.

Es importante notar que la canción termina con una nota positiva. animar al oyente luchar contra todas las imperfecciones mencionadas en la letra.

Al final de la canción hay un un sentimiento de esperanza. El comunicado ha indicado que se acerca la primavera, así como la perfección, lo que significa el final de todos los problemas revelados a través de la canción.

clip de música

el clip de la canción Perfección Fue dirigida por el fotógrafo Flávio Colker. Las grabaciones se realizaron durante un relajante y bucólico viaje del grupo a una hacienda cerca de Niterói, en Río de Janeiro.

El clip fue nominado a dos premios: el MTV Video Music Award y el Video Music Brasil - Audience Choice.

Compruebe el resultado a continuación:

Contexto histórico

Brasil en la década de 1990 comenzaba a recuperarse del largo período de dictadura militar (1964-1985). La década comenzó con la elección del presidente Fernando Collor de Mello, quien estuvo al frente del país entre el 15 de marzo de 1990 y el 29 de diciembre de 1992.

El inicio del año 1993, cuando se editó la canción, se denominó periodo suicida por las consecuencias del bloque de ahorro realizado durante el Plan Collor. Lanzada el 16 de marzo de 1990 para contener la hiperinflación en el país, la confiscación duró 18 meses y tuvo graves consecuencias para la vida brasileña.

Para completar el cuadro de desesperanza colectiva, se hicieron más frecuentes las acusaciones de corrupción que involucraban a altos cargos políticos, lo que indignaba.

En rebelión, los jóvenes se unieron para expresar su descontento. El movimiento Caras Pintadas, integrado principalmente por jóvenes agitados por la situación del país, salió a las calles en agosto de 1992 reclamando la destitución del Presidente.

Como se puede imaginar, el momento político en el país estaba caliente, movilizando a gran parte de la población, especialmente a la juventud.

Dado Villa-Lobos, miembro de la Legião Urbana, admite sobre la creación de la Perfección:

"Nuestro objetivo era mostrar, lejos de las noticias, que había un Brasil real, formado por personas sencillas y honestas que abordaron sus vidas mezclando esfuerzo, valentía y amor. Queríamos que esta visión romántica mostrara un poco de la vida cotidiana de este brasileño anónimo".

Cuando Perfección el que se puso en marcha, el que ya estaba en el poder era el presidente Itamar Franco (representante de Collor). El sucesor de Collor permaneció en el cargo entre el 29 de diciembre de 1992 y el 1 de enero de 1995.

La letra compuesta por la banda Legião Urbana transmite este momento insatisfacción generalizadacon ciudadanos exigiendo sobre todo mejores condiciones de vida y la lucha contra la corrupción.

En memoria del guitarrista del grupo, Dado Villa-Lobos cuenta que Perfección Renato Russo lo escribió como un manifiesto político sobre la década de 1990:

“La idea era que el arreglo fuera entre rock y rap, y que Renato rapeara las estrofas en lugar de cantarlas”

debajo del disco El descubrimiento de Brasil

Publicado en noviembre de 1993 por el sello EMI, el álbum El descubrimiento de Brasil Fue es el sexto álbum de estudio de Legião Urbana y reunió catorce temas, todos escritos por los miembros de la banda.

El disco fue dedicado al músico Tavinho Fialho, bajista que acompañó a la Legião Urbana en la gira del disco anterior y murió prematuramente en un accidente.

Perfección la canción de trabajo elegida por el grupo para promocionar El descubrimiento de Brasil.

cubierta de disco El descubrimiento de Brasildonde se grabo la cancion Perfección.

Descubre las canciones del álbum y sus respectivos autores a continuación:

veintinueve (Renato Ruso)
La fuente (Renato Russo/Dado Villa-Lobos/Marcelo Bonfa)
del espiritu (Renato Russo/Dado Villa-Lobos/Marcelo Bonfa)
Perfección (Renato Russo/Dado Villa-Lobos/Marcelo Bonfa)
Paseo de Boa Vista (Renato Russo/Dado Villa-Lobos)
El descubrimiento de Brasil (Renato Russo/Marcelo Bonfa)
los botes (Renato Russo/Dado Villa-Lobos)
hagamos una pelicula (Renato Ruso)
Los Angeles (Renato Russo/Dado Villa-Lobos)
Un día perfecto (Renato Russo/Dado Villa-Lobos)
Tiza (Renato Russo/Dado Villa-Lobos/Marcelo Bonfa)
amor en la noche (Renato Russo/Dado Villa-Lobos)
La Nuova Gioventú (Renato Russo/Dado Villa-Lobos/Marcelo Bonfa)
Sólo por hoy (Renato Russo/Dado Villa-Lobos)

Curiosidad: Perfecciónde la música a la cachaza

En 2014, el ex baterista de la Legião Urbana, Marcelo Bonfá, lanzó una cachaza artesanal llamada "Perfeição", en referencia a la música que compuso en sociedad con Renato Russo y Dado Villa-Lobos.

En su finca ubicada en Serra da Mantiqueira (Minas Gerais), el músico decidió producir Cachaça Perfection. La producción se divide en dos productos separados: Pura White Perfection y Carvalho Perfection.

Respecto a la elección de la música para bautizar la cachaza, Bonfá dice:

“El nombre hace un puente a mi carrera artística, pero también está el tema de que el productor es muy cercano a su producto y siempre piensa que es el mejor, bebe y dice ‘gran cosa’, luego aparecen nombres como Boazinha, Fabuloso . Trato la cachaça como si fuera un elixir, y realmente lo es. Si se toma con moderación, es muy bueno para la salud”.

Marcelo Bonfá, integrante de la Legião Urbana, lanzó una marca de cachaza con el nombre Perfection, en honor a la canción lanzada en los años noventa.

Gran cultura i Spotify

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Elis Regina: biografía y obra.

Jose — Wed, 12 Oct 2022 04:16:06 +0000

Elis Regina (1945-1982) fue una un cantante muy exitoso en Brasil. Reconocida por muchos como la mejor intérprete del país, aportó vitalidad, emoción y expresión al mundo de la música en los años 60 y 70.

Dueña de una personalidad estricta, la cantante tuvo una vida muy agitada y murió prematuramente36 años, a consecuencia de una sobredosis.

Elis hizo importantes colaboraciones en la música y se encargó de descubrir a grandes compositores.

Biografía de Elis Regina

Primeros años

Elis Regina de Carvalho Costa nació el 17 de marzo de 1945 en la ciudad de Porto Alegre, Rio Grande do Sul. Sus padres fueron Romeu Costa y Ercy Carvalho.

Elis descubrió la música muy temprano en su vida, comenzando su carrera a la edad de once años, en 1956. Fue en ese momento que se unió a un programa en la Biblioteca. Radio Farroupilha, en Porto Alegre. La atracción se llamaba el club del gurú, dirigida por Ari Rego y dirigida al público infantil.

una carrera musical

Más tarde, en 1960, la cantante se unió a la radio gaucho y, al año siguiente, se publica su primer disco. Con derecho viva brotolandiael LP se hizo cuando ella tenía dieciséis años.

Según los informes, Wilson Rodrigues Poso, empleado de la discográfica Continental, y Walter Silva, productor musical y periodista, fueron algunos de los responsables del envío de Elis.

Todavía en Rio Grande do Sul, Elis lanzó otros discos, hasta que en 1964 ya estaba realizando muchos espectáculos en Rio de Janeiro y São Paulo. Ese año, fue invitada a estar en el programa. noche de vapor. Allí conoce a Ciro Monteiro, quien le presentó el cuadro y sería su primer compañero musical en televisión.

Todavía en 1964, Elis se instala en la ciudad de São Paulo y comienza a tocar en el callejón de botellas donde conoce a Luís Carlos Mieli, productor musical, ya Ronaldo Bôscoli, personas importantes en su vida. En 1967 se casa con Elis Bôscoli.

En 1965, la cantante participa y Ganó el 1er Festival de Música Popular Brasileñaproducido por TV Excelsior, donde canta barco de jabegueromúsica de Edu Lobo y Vinícius de Moraes, que lo apodaron "Pimentinha".

Todavía en ese año, la asociación triste amor que morirála única canción propia, realizada en sociedad con Walter Silva y grabada por Toquinho en 1966, puramente instrumental.

Presentó el cuadro junto al cantante Jair Rodrigues el final de Bossa, en TV Record, entre 1965 y 1967, donde lanzó el disco Ambos en bossaser un récord de ventas.

Los siguientes años los dedicó a su evolución técnica y vocal, y fue cuando Elis se dio a conocer internacionalmente.

En 1974, en sociedad con Tom Jobim, lanzó el famoso álbum alicia y tom. En 1976 es el punto de inflexión del récord. Brillo falsoresultado del espectáculo homónimo, realizado en sociedad con Myriam Muniz y César Camargo Mariano, con quien estuvo casada entre 1973 y 1981. La cantante lanzó muchos otros discos durante su carrera.

Elis Regina fue una personalidad importante en el lucha contra la dictadura militar brasileñaoponiéndose al régimen que destruyó el país de 1964 a 1985. La única razón por la que no fue arrestada o exiliada fue por su gran reconocimiento.

Expresó su punto de vista en varias entrevistas y optó por interpretar muchas canciones críticas con la dictadura.

Muerte de Elis Regina

Elis Regina murió el 19 de enero de 1982 tras ingerir alcohol, cocaína y tranquilizantes. Quien la encontró inconsciente y la llevó al hospital fue su novio en ese momento, Samuel Mc Dowell.

El evento tuvo lugar en el Teatro Bandeirantes, donde actuó en el espectáculo Brillo falso. El entierro tuvo lugar en el Cementerio de Morumbi en São Paulo. La temprana muerte del cantante conmocionó al país.

Los hijos de Elis Regina

Elis Regina tuvo tres hijos. Es la mayor, fruto de su matrimonio con Ronaldo Bôscoli, el empresario y productor musical João Marcelo Bôscoli, nacido en 1970.

De su relación con César Camargo Mariano, nació Pedro Camargo Mariano, en 1975, y María Rita Camargo Mariano, en 1977. Ambos también siguieron una carrera musical.

Canciones de Elis Regina gratis,

Estas son algunas de las canciones que han tenido mucho éxito en la voz de Elis Regina:

como nuestros padres (1976)

como nuestros padres Es probablemente el mayor éxito de la carrera de Elis, que grabó en 1976, como parte del álbum Brillo falso. El músico es el autor de la canción. segunda manoquien también la grabó en 1976 en el disco una alucinacion.

Esta canción da una razón muy sentimental sobre el contexto de la época, en pleno apogeo de la dictadura militar en Brasil. Las letras también están cargadas de conflicto entre generaciones, quizás por eso es tan actual aún hoy.

Para saber más sobre esta canción, lee: Como nuestros padres, de Belchior

El borracho y el equilibrista (1978)

Esta es una composición de João Bosco y Aldir Blanc, hecha en 1978. Elis la grabó en 1979 en el álbum Esta mujer, y la canción fue el mayor éxito del álbum. Con un fuerte llamamiento a la dictadura, fue visto como un canto a las libertades ya la amnistía.

aguas de marzo (1974)

aguas de marzo una canción de Tom Jobim de 1972 que él y Elis Regina grabaron en el álbum alicia y tom1974. Mira la actuación de la cantante para el Programa Ensaio, en TV Cultura.

Película sobre Elis Regina descargar

En 2016 se estrenó la película. elisa, que describe la vida del cantante. Dirigida por Hugo Prata, la actriz Andreia Horta interpreta a Elis Regina.

La historia cuenta la vida de la cantante desde el inicio de su carrera hasta su trágica muerte.

No te detengas aquí, lee también:

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Nuevo jefe

Jose — Wed, 12 Oct 2022 04:09:10 +0000

Bossa Nova fue un género musical nacido en 1958 en Río de Janeiro que con el tiempo se extendió por todo Brasil.

Los jóvenes artistas, cansados de lo que se hacía en MPB, decidieron innovar y fueron en busca de un lenguaje nuevo, más contemporáneo y moderado.

La historia de la Bossa Nova

El núcleo que fundó la Bossa Nova estaba compuesto por jóvenes músicos cariocas de las clases media y alta de Río de Janeiro a fines de la década de 1950.

Al mismo tiempo que incorporaban recursos de músicas foráneas, como el jazz, los artistas de bossa nova ponían en valor algunos aspectos regionales de nuestro país, intentando conseguir un nuevo lenguaje.

El año considerado el inicio del movimiento Bossa Nova fue 1958. En ese año se editaron dos discos imprescindibles para esa generación: demasiadas canciones de amor (de Elizeth Cardoso), estrenada en abril, y mucha nostalgia (de João Gilberto), estrenada en julio.

cubierta de disco demasiadas canciones de amor

El álbum de Elizeth Cardoso constaba en su totalidad de canciones creadas por el dúo Vinicius de Moraes y Tom Jobim - Tom y Vinicius comenzaron a componer juntos en 1956 para el programa. Orfeo de Concepción.

João Gilberto participó en la grabación de Elizeth tocando la guitarra en dos temas (mucha nostalgia y otra vez).

el disco mucha nostalgiadespués de eso, también dio una serie de reformado lo que provocó un distanciamiento inicial en la comunidad.

Por eso, la obra fue mejor acogida en São Paulo, que ya estaba abierta a nuevos cambios por su mayor diversidad cultural, y luego fue mejor acogida en Río de Janeiro.

Portada del álbum no mucho más

los primeros espectáculos

Las primeras muestras oficiales se realizaron en la Facultad de Arquitectura y en la PUC-Rio, una universidad de clase media alta ubicada en la zona sur de Río de Janeiro.

La música que empezó en el ambiente universitario se fue extendiendo rápidamente a otros medios, impulsada por la televisión y la radio, en el país -y también en el mundo- en todo el mundo.

El origen del nombre "Bossa Nova"

Los orígenes de la era Bossa Nova no son bien conocidos. Cuando los artistas comenzaron a crear composiciones innovadoras, el grupo aún no había dado un nombre. El caso es que el término pegó, a los artistas les gustó la nomenclatura y la Bossa Nova acabó pegándose.

Características de Bossa Nova

Artistas que reconocieron la Bossa Nova defendieron la más internacional y moderno para la música popular brasileña, querían lograr un ritmo nuevo, más actualizado.

No sería exagerado decir que aquella generación miraba sobre todo a la innovación romper con lo producido hasta entonces. João Gilberto, por ejemplo, quien era considerado por muchos como el líder del grupo, fue uno de los que querían romper con el pasado y por eso inventó el golpe de guitarra, así como una forma de cantar en voz baja.

joao gilberto

El artista estaba particularmente luchando contra el desbordamiento emocional que corrompió la música brasileña entre los años cuarenta y cincuenta. João Gilberto y sus socios rechazaron enérgicamente los boleros melodramáticos y las samba-canções.

Los practicantes de Bossa Nova buscaban un registro más cercano, un canto más discreto, una forma de cantar más cercana a cantar hablando. Para eso buscan inspiración en el lado Frío del jazzespecialmente cuando se trataba del tema del amor.

Tom Jobim y Vinicius de Moraes

A pesar de crear composiciones más sofisticadas, que dieron atención a los detalles y sutilezasregistro usado de la vida cotidiana, un lenguaje sencillocoloquial, informal.

Bossa Nova se guió por un estilo más desenfadado y desenfadado, que se anclaba en la racionalidad, la objetividad y sobre todo en la conciso.

mejores artistas

Echa un vistazo a algunos de los principales nombres del movimiento Bossa Nova a continuación:

Joao Gilberto (1931-2019)
Vinicius de Moraes (1913-1980)
Tom Jobim (1927-1994)
Roberto Menescal (1937)
João Donato (1934)
Nara León (1942-1989)
Carlos Lyra (1933)
Isabel Cardoso (1920-1990)
Baden Powell (1937-2000)

Las mejores canciones de Bossa Nova

fuera de tono (1958), de Tom Jobim y Newton Mendonça
no mucho más (1956), de Vinicius de Moraes y Tom Jobim
Samba de una nota (1960), de Tom Jobim y Newton Mendonça
Corcovado (1959), de Tom Jobim
saludo de samba (1967), de Baden Powell y Vinicius de Moraes
una chica de Ipanema (1962), de Vinicius de Moraes y Tom Jobim
Bajo la luz de tus ojos (1977), de Vinicius de Moraes
aviones de samba (1962), de Tom Jobim
tontería (1961), de Vinicius de Moraes y Tom Jobim
Beber agua (1963), de Vinicius de Moraes y Tom Jobim

Descubre más canciones de este período leyendo el artículo Las canciones más importantes de la Bossa Nova.

La pre bossa nova

Antes del surgimiento de la Bossa Nova, los músicos vivían inmersos en el universo de las transmisiones de samba-canção, especialmente en Tupi y Rádio Nacional.

Las canciones tenían melodías sencillas y eran bastante dulces, representando los sufrimientos del amor y tratando con la traición, la venganza y grandes dramas mentales. Ângela Maria y Dorival Caymmi fueron los grandes nombres de esta generación.

Los jóvenes que crearían la Bossa Nova no se identificaban en absoluto con este tipo de composición y por eso decidieron apostar por la renovación de la música.

Escucha Bossa Nova en Spotify

tratando de escuchar bien lista de reproducción pero con bossa nova? Entonces mira la lista a continuación que preparamos especialmente para ti en Spotify:

Un libro para aprender más sobre la Bossa Nova

Recomendamos leer el libro. Balanço da Bossa: una antología crítica de la música popular brasileña modernaestrenada en 1968 por Augusto de Campos.

El trabajo reúne una serie de artículos y recortes de periódicos sobre el movimiento, proporcionando un análisis más profundo de esa generación.

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Después de todo, ¿qué es el arte?

Jose — Wed, 12 Oct 2022 04:02:04 +0000

https://www.culturagenial.com/o-que-e-arte/

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Toda la información sobre la Semana del Arte Moderno

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:54:13 +0000

La Semana del Arte Nuevo fue un hito para la independencia cultural de nuestro país y también marcó el inicio del modernismo.

Los artistas de vanguardia, influenciados por el reciente experimento estético europeo, pretendían mostrar Brasil tal como era: una mezcla de culturas y estilos.

Conozca más sobre el evento que tuvo lugar en el Teatro Municipal de São Paulo y reunió a escritores, artistas visuales y músicos.

Acerca de la Semana del Arte Moderno

La Semana de Arte Moderno se realizó en São Paulo, en el Teatro Municipal.

A pesar de llamarse Semana, los hechos ocurrieron los días 13, 15 y 17 de febrero de 1922.

El Teatro Municipal de São Paulo fue escenario de la Semana de Arte Moderno.

Tenga en cuenta que la elección del año no fue casual: 100 años antes de que Brasil pasara por un proceso de independencia. La elección hecha por los modernos de dar vida al evento 100 años después de este importante evento fue muy simbólica.

El evento, financiado por la élite cafetalera del Estado de São Paulo, reunió a la flor y nata del intelecto artístico brasileño que buscaba pensar nuevas formas de producir cultura.

Durante los tres días hubo exposiciones, lecturas, conferencias y recitales musicales. El evento contó con diversas modalidades artísticas: pintura, escultura, música y literatura.

La portada del catálogo de la exposición de Di Cavalcanti.

Participantes

Los principales artistas que participaron en la New Art Week fueron:

Graça Aranha (literatura)
Osvaldo de Andrade (literatura)
Mario de Andrade (literatura)
Anita Malfatti (pintura)
Di Cavalcanti (pintura)
Villa-Lobos (música)
Menotti del Picchia (literatura)
Víctor Brecheret (estatua)

Parte del grupo modernista, en la escalera, encabezado por Oswald de Andrade (sentado al frente)

La primera noche (13 de febrero de 1922)

Graça Aranha (autora de la famosa novela Canon) para abrir la Semana de Arte Moderno (la noche del 13) con la lectura de un texto titulado Sentimiento estético en el arte moderno..

Considerado ya un gran nombre en la cultura nacional -y también un artista más consolidado-, su nombre dio peso al grupo.

Con multitudes, hubo actuaciones y manifestaciones en la primera noche. Uno de los aspectos más destacados de la reunión fue la el estudiante rusopintado por Anita Malfatti.

Cuadro el estudiante rusode Anita Malfatti.

La segunda noche (15 de febrero de 1922)

A pesar de las diferencias estéticas entre los artistas, el grupo modernista estaba unido por un elemento común: un odio feroz al parnasianismo. Los parnasianos, desde el punto de vista de los modernos, hicieron la poesía hermética, medida y, al final, vacía.

Cansados de ver el arte pasado de moda y oscuro producido en Brasil, los artistas se ensuciaron y realizaron una serie de experimentos para buscando una nueva forma de arte.

Vale recordar que el plato fuerte de la segunda noche de la Semana del Arte Nuevo fue la lectura del poema Os sapos, de Manuel Bandeira. Enfermo, el poeta no pudo asistir al evento, a pesar de haber presentado su aporte. Borrar creación hacia adelante una sátira sobre el movimiento parnasiano y confirmado por Ronald de Carvalho:

la rana cooper,
parnasiano acuático,
Dice: - “Mi cancionero
Está bien martillado.

ver como un primo
Comiendo los huecos!
¡Qué arte! y no verso
Los términos relacionados.

El tono del poema ya muestra el aire de desprecio artístico que Manuel Bandeira -y los modernistas en general- mostraban en relación a sus antecesores artísticos.

La lectura de los polémicos versos despertó pasiones y me cautivó Ronald de Carvalho.

La tercera noche (17 de febrero de 1922)

En la tercera y última noche de la Semana de Arte Moderno, la estrella fue el compositor Heitor Villa-Lobos, quien brindó una original pieza que mezcló un juego de instrumentos.

Ya había actuado en las noches anteriores, pero dejó para el final su trabajo más especial.

El músico actuó en el escenario vistiendo un abrigo y chanclas. La audiencia se sintió traicionada por el excéntrico compositor y lo abucheó (aunque más tarde se supo que las chanclas eran culpa de Callus y no tenían intención de provocar).

Cartel de la última noche (17 de febrero) de la Semana de Arte Moderno.

Los goles de los artistas

Los modernistas que participaron en la Semana de Arte Moderno pretendían crear una identidad nacional tomar la cultura brasileña del pasado.

Querían influir en los artistas contemporáneos para mirar hacia adelante (iniciar lo nuevo) y experimentar con formas innovadoras de producirse artísticamente.

fue la idea para renovar la estética de Brasil y pensar en el arte de vanguardia.

Al evento asistieron principalmente intercambiar experiencias con otros creadores y reunir a esta nueva generación que quería producir lo nuevo en diferentes campos culturales como este.

posterior al evento

El evento tuvo impacto durante las tres noches y llegó a un público mucho más amplio que el que tuvo el privilegio de estar en el Teatro Municipal.

Tres revistas fueron lanzadas durante la Semana de Arte Moderno y publicadas posteriormente, a saber: Klaxon (São Paulo, 1922), A Revista (Belo Horizonte, 1925) y Estética (Rio de Janeiro, 1924).

La portada de la revista Klaxon se publicó en mayo de 1922.

Idealistas e implacables, los modernistas también escribieron cuatro manifiestos clave que nos ayudaron a comprender mejor las aspiraciones de esta generación. Ellos eran:

Contexto histórico en el país

Años antes de la Semana de Arte Moderno, la burguesía industrial ganaba fuerza en el país, especialmente en el Estado de São Paulo. Con el desarrollo, el país fue atrayendo más y más inmigrantes europeos (especialmente italianos), agregando una rica fusión a nuestra ya mezclada cultura.

Los artistas se habían estado reuniendo años antes del evento, influenciado por las vanguardias europeas. Comúnmente tenían un deseo de cambio y un deseo de ayudar a establecer una nueva cultura.

El propio Oswald de Andrade -uno de los grandes nombres del movimiento- volvió de Europa corrompido por las artes de los cubistas y los futuristas. Señaló después de su regreso a su tierra natal:

Estamos cincuenta años por detrás de la cultura, y todavía estamos afectados por el parnasianismo.

Eventos que terminaron con la Semana del Arte Moderno

Contrariamente a lo que comúnmente se cree, la Semana de Arte Moderno no fue un evento remoto, sino una serie de movimientos artísticos que tuvieron lugar en años anteriores.

Vale la pena recordar al menos tres nuevos eventos precursores que terminaron con la Semana 22:

La exposición de Lasar Segall (1913)
El espectáculo de Anita Malfatti (1917)
Maqueta del monumento a la bandera Victor Brecheret (1920)

Ver toda la información sobre la Edad Moderna en Brasil.

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8 grandes canciones de Raúl Seixas

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:46:16 +0000

Raul Seixas fue una figura ineludible en la música y la cultura brasileña. Concebido como el Padre del Rock Nacional, el cantautor se destacó por su postura polémica y letras profundas, con reflexiones místicas, sociales y filosóficas.

El éxito de Raúl ha trascendido a la muerte misma y ahora es considerado un artista de culto, que sigue ganando nuevos fans y oyentes.

Todos conocemos el estribillo de sus éxitos, pero vale la pena repasar los versos detenidamente y considerar sus principales mensajes. Recuerda, a continuación, 8 grandes canciones de Raul Seixas.

1. Metamorfosis andante (1973)

prefiero ser
Esta metamorfosis andante
No tengas esa vieja opinión
hecho en todo

Metamorfosis andante uno de los temas más conocidos del artista, como parte de su primer disco en solitario, ¡Krig-Ha, Bandolo!.

El título del álbum hacía referencia al grito de guerra de Tarzán, personaje de las historietas publicadas por la Editora Brasil-América Limitada (EBAL). La frase se puede traducir como "Cuidado, aquí viene el enemigo".

Tomando esta posición "en contra", la canción explica un poco la forma de pensar y vivir del artista. En un tiempo marcado por la opresión, predicó el libertad de pensamiento y conducta.

qué hay del amor
Sobre las cosas que ni siquiera sé quién soy

Si yo soy una estrella hoy
mañana se ha ido
Si te odio hoy
Te amo mañana

Por lo tanto, estamos ante un sujeto que rechaza lo que la sociedad ha decidido que es correcto, adecuado, aceptable. Por el contrario, el yo lírico cree que existen múltiples formas de vivir y enfrentarse al mundo.

Esto es himnos cambiantes, transformación constante. El sujeto no acepta "esa vieja opinión que se formó sobre todo"; tiene una mente abierta y sabe que puede aprender y cambiar de opinión con cada nueva experiencia.

Por eso, opta por ser una “metamorfosis andante”, es decir, alguien que no está estancado, sino que camina y se transforma en el proceso.

dos. volar en sopa (1973)

Soy la mosca que se posó en tu sopa
He pintado la mosca para abusar de ti
Soy la mosca que perturba tu sueño
Soy la mosca en tu cuarto zumbando

Lanzado durante la dictadura militar, volar en sopa condenó el clima de opresión experimentado por el pueblo de Brasil. A través de su gran lirismo, con metáforas muy creativas, Raúl logró sortear la censura.

En la música, el volar como para representar a las fuerzas militaresestaba por todas partes, amenazando, merodeando, cazando.

Aquí, no se les menciona propiamente como algo peligroso, aterrador, sino como algo molesto, que perturba todo el tiempo. Sin embargo, esta huida parece invencible, no se puede combatir: "matas a uno y otro viene en mi lugar".

Siempre estoy contigo
Agua blanda sobre piedra dura
Golpea hasta que se rompe
¿Quién, quién es?
El vuelo, mi hermano

Capaz de hablar abiertamente, el sujeto transmite más que se está refiriendo al gobierno bajo control. La letra insiste en la idea de persecución: el músico quiere que el oyente comprenda el mensaje que intenta transmitir.

La "mosca en el ungüento" también puede entenderse como la resistenciaartistas como Raúl que seguían arriesgándose y compitiendo.

Aun siendo perseguidos, censurados y exiliados, continuaron siendo un "segmento" del autoritarismo, en nombre de la libertad.

3. Oro de tontos (1973)

debería ser feliz
porque tengo un trabajo
Es un supuesto ciudadano respetable.
Y gano cuatro mil cruzeiros al mes

Los oscuros "años de plomo" de la dictadura militar estuvieron acompañados de un crecimiento económico que incrementó la acumulación de riqueza y la desigualdad entre la población.

el designado Un "milagro económico" fue anunciado a los siete vientos por el gobierno autoritario, que quería vender la imagen de Brasil como potencia mundial. Mientras tanto, la clase media se sintió atraída por un estilo de vida un poco mejor y la capacidad de comprar cosas como automóviles y apartamentos.

Justo en los versos iniciales, el sujeto declara que no está satisfecho con lo que le están ofreciendo, que no está satisfecho con eso tan poco. Cuestionando la vida cotidiana de un ciudadano común, el yo lírico parece intentar razonar con él: tiene "grandes cosas / que decir".

Debería estar feliz por el Señor
domingo dado a mi
Para ir con la familia al Zoo
dar palomitas a los monos
Ah, soy un hombre aburrido
nada se pone gracioso
Mono, playa, coche, periódico, tobogán.
Creo que todo esto es una bolsa.

De esta manera, Raul Seixas quiere despertar a los ciudadanos de Brasil sobre la necesidad de luchar por la democracia.

Oro de tontos parece ser una referencia a los falsos alquimistas que intentaron convertir el plomo en el metal precioso.

En la carta, el tema se concluye a sí mismo de este postura apática y conformista. Enfatiza que los bienes materiales y los pequeños momentos de comodidad no se pueden valorar más que la vida misma.

no me siento
En el trono plano
Con una boca abierta llena de dientes
esperando que llegue la muerte

Oh el tema fue lanzado en la cadena nacionalen junio de 1973, cuando el cantante y su amigo Paulo Coelho llamaron a la prensa para promocionar la Sociedad Alternativa (de la que hablaremos más adelante).

A pesar de los comentarios políticos y sociales en la letra, la canción logró escapar de la censura y finalmente se convirtió en un gran éxito.

4. miedo a la lluvia (1974)

Lástima que pienses que soy tu esclavo
Diciendo que soy tu esposo y no puedo irme
Como las piedras aún en la playa me quedo a tu lado
no sé
De los amores que me dio la vida y no pude vivir

miedo a la lluvia compuesta por Raul Seixas y Paulo Coelho. Fruto de una época conservadora, es una canción que reflexiona sobre uno de los pilares fundamentales de aquella sociedad: la boda.

En la letra, el sujeto le habla directamente a su esposa, expresando sus sentimientos sobre la relación. En los primeros versos deja claro que se siente atrapado a su lado, sujeto a su voluntad.

esto te da cuestionar la idea misma de la monogamia, impuesto socialmente como la única forma válida de amor. Aquí, el yo lírico se imagina rechazando todos los lazos románticos que tenía para estar con la misma persona "para siempre".

Perdí mi miedo, mi miedo, mi miedo a la lluvia
Por la lluvia vuelve a la tierra que trae cosas del aire
Aprendí el secreto, el secreto, el secreto de la vida
Las piedras se ven llorar solas en el mismo lugar

En el estribillo, el sujeto declara que ha perdido el “miedo a la lluvia”, que podemos interpretar como miedo a la tristeza, añoranza, soledad.

A pesar de ser un proceso doloroso, el yo lírico logra transitar el camino de la libertad. Tiene que vivir su vida como quiere, si se lo permite, pero eso requiere que aprenda a mantener el equilibrio por sí mismo.

5. Sociedad alternativa (1974)

si yo quiero y tu quieres
tomar una ducha en un sombrero
O quédate con papá Navidad
O hablar de Carlos Gardel
Entonces ve
Haz lo que quieras
'Aunque todo se trata de la ley, la ley

sociedad alternativa es una canción escrita por Raul Seixas y Paulo Coelho, en la que proyectan una una comunidad utópica.

En contraste directo con los medios de subsistencia que fueron suprimidos por la presión de la dictadura, todos tendrían libertad y podrían toma tus propias decisiones.

En el origen de esta creación estuvieron las enseñanzas del mago y ocultista inglés Aleister Crowley. Entre ellas destacaba la ley de Thelema: "Haz tu voluntad toda la Ley".

Esta es nuestra ley y la alegría del mundo.
(¡Viva la Sociedad Alternativa!)
¡Vive, vive, vive!

Más que una canción, sociedad alternativa un movimiento de concienciación que llamó la atención sobre la la posibilidad de vivir fuera del sistema opresor.

Los socios en el arte, Seixas y Coelho compartieron su fe en las comunidades alternativas y esotéricas, incluso registrando su Sociedad en el registro civil (1972 - 1976).

6. Intentar otra vez (1975)

No digas que la canción está perdida
Ten fe en Dios, ten fe en la vida
Intentar otra vez

Una de las canciones más emocionantes de Raul Seixas, Intentar otra vez es una lección de resiliencia. El artista escribió el tema en colaboración con Marcelo Motta y Paulo Coelho; él es Homenaje al amigo Geraldo Vandré.

En 1968, año que marcó el apogeo de la opresión, el músico compitió por el Festival de la Canción con No hace falta decir que no hablé de flores., una de las grandes canciones de la resistencia. Aunque era el tema favorito del público, el poder dictatorial afectó el resultado e impidió que Vandré ganara.

Solo sé sincero y desea profundamente
Podrás sacudir el mundo, ve
intentar otra vez,
Y no digas que la victoria está perdida
Si la vida se vive de batallas
Intentar otra vez

En la letra, el sujeto se dirige al oyente, llevando una un mensaje de fuerza y motivación. Le recuerda a la otra persona (Vandré y quien esté escuchando) que no puede rendirse ni siquiera ante las mayores pérdidas o injusticias.

Tienes que seguir luchando y no perder de vista tus objetivos: “Levanta tu mano sedienta y vuelve a caminar”. La canción nos recuerda que es fundamental mantener la esperanza y el pensamiento positivo incluso en la situación más disfórica.

7. nací hace 10 mil años (1976)

Vi a un anciano sentado a un lado
Con un plato de limosna
Y viola en mano
La gente se detuvo a escuchar.
Agradeció las monedas
Y cantó esta canción
quien contó una historia
que era mas o menos asi

Uno de los clásicos de Raúl Seixas, nuevamente en sociedad con Paulo Coelho, la canción está basada en un tema americano con el mismo título, Nací hace diez mil años.

es una vieja cancion de país que Elvis Presley, uno de sus ídolos, adaptó y grabó en 1972. En él hay una imagen de un hombre que actúa en la calle pidiendo dinero a cambio. En los versos, este hombre enumera todas las cosas que ha visto en este mundo.

Como en el original, la letra está atravesada por muchos referencias bíblicas: Cristo, Moisés, Mahoma, etc. Sin embargo, la canción de Raul Seixas no se queda ahí.

nací
hace diez mil años
Y no hay nada en este mundo que no sepa demasiado

El tema habla de las brujas quemadas en la Inquisición y también de los símbolos de la Umbanda, una religión brasileña que aún está en duda.

También se mencionan hechos significativos de la historia brasileña y mundial, como el Quilombo dos Palmares y el dominio de Hitler en Europa.

Representando a un individuo que mira todo desde fuera, desde el principio de los tiempos, Raúl mantiene la imagen de gurúun mago que lleva la sabiduría de los antepasados.

8. belleza loca (1977)

Mientras tratas de ser
Un tipo normal y hace todo igual.
Yo de mi lado, aprendiendo a estar loco
Un completo monstruo, en la verdadera locura.

belleza loca es, sin duda, uno de los mayores logros de Raul Seixas. El título de la canción era uno de los feos apodos que le conocía el público al artista.

Con una letra aparentemente simple, la canción tiene un mensaje revolucionario sobre nuestra forma de estar en el mundo. En una sociedad que vive de normas y apariencias, el sujeto afirma haber rechazado todo esto.

De esta manera, se separa del oyente, "sujeto ordinario", que trata de seguir todo lo que se ha aplicado. él, en cambio, mejor haz tu camino con vidaaunque se llame loco.

Y este camino lo elegí yo mismo
Es tan fácil de seguir porque no hay adónde ir

Para ello, el yo lírico explica que debe mezclar "locura" con "lucidez", es decir, desafiar a los demás que esperan de un hombre sabio. Quizá por ello esta sea la canción más escuchada del artista estos días.

Frente a una sociedad enferma, Raúl cuestiona y redefine los conceptos de salud mental. ¿Y qué, entonces, un belleza loca? No tenemos una definición exacta, pero te recomendamos esta: alguien a quien no le importa ser "raro" para ser feliz.

Sobre Raúl Seixas

Raúl Seixas (28 de junio de 1945 - 21 de agosto de 1989) fue un famoso cantante, compositor, productor discográfico e instrumentista nacido en Salvador.

Su legado en el mundo de la música, y su influencia en los artistas que le sucedieron, es innegable. Mucha gente señala a Raúl Seixas como el Padre del Rock Brasileño. Mezclando influencias internacionales con ritmos típicamente brasileños, el músico ha creado un sonido único.

Retrato de Raúl Seixas.

También conocido como "Raulzito" o "Maluco Beleza", fue un ícono de nuestra cultura, con letras complejas y preguntas radicales, para la época.

Entre la dictadura militar, el artista tuvo la capacidad de abordar temas polémicos como Oro de tontos, volar en sopa y sociedad alternativa.

La Sociedad Alternativa que diseñó y fundó con Paulo Coelho fue vista como una amenaza para el gobierno y ambos fueron arrestados, torturados y exiliados.

Uno de los grandes nombres de la resistencia, Raul Seixas consigue ser más que eso: es un portavoz de la libertad, como pocos lo han sido.

Gran cultura i Spotify

Escucha estas y otras canciones populares del artista en lista de reproducción hemos preparado para ti:

La entrada 8 grandes canciones de Raúl Seixas se publicó primero en culturageneral.com.

Música como nuestros padres, de Belchior

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:41:13 +0000

como nuestros padres Es una canción de Belchior, compuesta y grabada en 1976, como parte del álbum una alucinacion. En el mismo año, Elis Regina grabó una versión del tema, que se hizo muy popular.

Reflejando el contexto histórico y social de la época, la canción habla del conflicto generacional y la angustia de la juventud. Esa es también la razón por la que sigue teniendo sentido en estos días y sigue teniendo éxito, tanto tiempo después.

Escuche a continuación y obtenga más información sobre uno de los mayores éxitos de Belchior:

análisis musical como nuestros padres

estrofa 1 y 2

no quiero decirte
Mi gran amor
De las cosas que aprendí
en discos
quiero contarte como viví
Y todo lo que me paso

Mejor vivir que soñar
Yo se que amor
es algo bueno
pero también sé
a cualquier rincón
es más pequeño que la vida
de cualquiera

Desde los primeros versos podemos ver que la música tiene un mediador. El sujeto está hablando con alguien, a quien reconoce como su "gran amor".

Explica que no quiere hablar de temas abstractos como sueños, ni de arte o música. Tiene que hablar de su vida, compartir con la otra persona lo que ha pasado.

Hay, en el aire, un clima de urgencia, que se confirma a lo largo de la canción. En la segunda estrofa, se enfatiza el valor de la vida como algo superior, más importante que cualquier otra cosa.

estrofa 3 y 4

Así que ten cuidado, querida
El peligro está a la vuelta de la esquina
Ganaron y la señal
está cerrado para nosotros
que somos jóvenes

para abrazar a tu hermano
Y besar a tu novia en la calle
¿De eso está hecha tu mano?
tus labios y tu voz

La tercera estrofa comienza con una advertencia. Hay una amenaza constante rondando al sujeto, el "peligro a la vuelta de la esquina" esperando para atacar.

El sujeto y su mediador son aliados en una guerra en la que han sido derrotados. Los contrincantes ganaron y hoy los persiguen. Esto es referencia al régimen dictatorial fundada en el 64 y las dificultades mentales que trajo a la gente de Brasil.

El movimiento estudiantil en la Marcha de las Cien Millas, 1968.

En luz suprimida, el la juventud trató de resistir pero se estancó, se detuvo en el "semáforo rojo", esperando su tiempo. En la música hay un contraste entre el clima de miedo y violencia y el carácter de esas personas, que se creían hechas de cariño y amistad.

verso 5 y 6

Tu me preguntaste
por mi pasión
digo que me alegro
como un nuevo invento
me quedaré en esta ciudad
no volveré al desierto
Porque lo veo venir en el viento
el olor de la nueva temporada
Siento todo en la herida viva
Desde mi corazón

Ha sido un tiempo
te vi en la calle
cabello al viento
jóvenes reunidos
en la pared de la memoria
este recuerdo
es la foto que mas duele

A pesar de todo, el yo lírico no se rinde. Por tanto, declara que no dejará la ciudad, ni volverá a la tierra donde nació. En medio del caos, sigue siendo esperar y siente en el aire las señales del tiempo nuevo que se avecina.

Incluso tratando de tener una actitud optimista, el sujeto no oculta el dolor, declarando que su corazón es una "herida viva". A través de los recuerdos, comparte recuerdos de un pasado muy diferente, donde todo era libertad y luz.

Las ideas "pelo al viento" y "jóvenes reunidos" parecen estar ahí. referencias al movimiento hippie, la contracultura que predica la "paz y el amor". En cuanto al sujeto, todo este progreso se interrumpió repentinamente y se sintió oprimido.

Coro

mi dolor esta siendo entendido
que aunque tenemos
Hecho todo lo que hicimos
seguimos siendo los mismos
y vivimos
seguimos siendo los mismos
y vivimos
como nuestros padres

El coro lleva la tristeza del sujeto, obligado a admitir la derrota. Mirando a su alrededor, se da cuenta de que el los esfuerzos fueron en vano, la lucha no le benefició. A pesar de que su generación tenía ideas muy diferentes a las que habían prevalecido antes, Brasil estaba congelado en el tiempo.

Como resultado, los jóvenes se vieron obligados a vivir con los mismos estándares conservadores que la generación anterior, sintiendo que su era les había sido robada entre los dedos.

verso 7

nuestro ídolo
Siempre lo mismo
y las apariencias
no hagas trampa
Dices después de ellos
nadie más apareció

Todavía con el tono triunfal de los versos anteriores, la tercera estrofa muestra que estas personas están ancladas en el pasado. Ante obsequios oscuros, continúan viajando a través de los recuerdos.

El pasaje también da una sentimiento de abandono, un orfanato. El sujeto y su interlocutor parecen sentirse perdidos y no hay nadie que les señale el camino.

secciones 8 y 9

incluso puedes decir
que estoy fuera
Si no
que estoy inventando

Pero mientras tu
quien ama el pasado
y no ves
Eres tu
quien ama el pasado
y no ves
que siempre llega lo nuevo

En las secciones 8 y 9, parece que el yo lírico no está de acuerdo con su amor. El interlocutor ya no cree que el cambio sea posible y el sujeto tiene una pista positiva.

Incluso desalentado por la realidad en la que vive, trata de convencer al otro de que "siempre llega lo nuevo". Aunque parezca imposible, ante tanta opresión, la libertad vendrá.

El mensaje parece estar dirigido a todos los que escuchan la canción: Belchior les pide que no obedezcan, porque la realidad cambiará.

verso 10

lo se hoy
eso me dio la idea
De una nueva conciencia
y la juventud
Estás en casa
salvado por dios
Cuenta los viles metales

La última estrofa parece representar todo el viaje de su generación. Desilusionado, el sujeto hace una crítica clara a los que fueron sus compañeros de lucha.

Los ex revolucionarios, e incluso los artistas, que despertaron su conciencia, vendieron los mismos. El rencor del sujeto es palpable, al darse cuenta de que es su primera los ídolos fueron corrompidos por el dineroel "metal vil".

musica significativa

El tema da voz a una generación de jóvenes que han visto confiscada su libertad con la creación de Conradh na Gaeilge la dictadura militar brasileña.

Frutos de una época marcada por la innovación, la experimentación y la contracultura, su estilo de vida cambió con la llegada del pie.

Oh barrera cultural y social generó sentimientos de zozobra y frustración en esta juventud, que no tuvo la oportunidad de transitar sus caminos de persecución y censura.

Belchor, en como nuestros padres, el vocero de su tiempo y el conflicto generacional que se estaba gestando. Aunque pensaron diferente y lucharon por la libertad, al final estos jóvenes fueron condenados a vivir con la misma moral conservadora que la generación anterior.

letra como nuestros padres

no quiero decir contigo
Mi gran amor
De las cosas que aprendí
en discos
quiero contarte como viví
Y todo lo que me paso

Mejor vivir que soñar
Yo se que amor
es algo bueno
pero también sé
a cualquier rincón
es más pequeño que la vida
de cualquiera

Así que ten cuidado, querida
El peligro está a la vuelta de la esquina
Ganaron y la señal
está cerrado para nosotros
que somos jóvenes

para abrazar a tu hermano
Y besar a tu novia en la calle
¿De eso está hecha tu mano?
tus labios y tu voz

Tu me preguntaste
por mi pasión
digo que me alegro
como un nuevo invento
me quedaré en esta ciudad
no volveré al desierto
Bueno, lo veo venir viento
el olor de la nueva temporada
Siento todo en la herida viva
Desde mi corazón

Ha sido un tiempo
te vi en la calle
cabello al viento
jóvenes reunidos
en la pared de la memoria
este recuerdo
es la foto que mas duele

mi dolor esta siendo entendido
que aunque tenemos
Hecho todo lo que hicimos
seguimos siendo los mismos
y vivimos
seguimos siendo los mismos
y vivimos
como nuestros padres

nuestro ídolo
Siempre lo mismo
y las apariencias
no hagas trampa
Dices después de ellos
nadie más apareció

incluso puedes decir
que estoy fuera
Si no
que estoy inventando

Pero mientras tu
quien ama el pasado
y no ves
Eres tu
quien ama el pasado
y no ves
que siempre llega lo nuevo

lo se hoy
eso me dio la idea
De una nueva conciencia
y la juventud
Estás en casa
salvado por dios
Cuenta los viles metales

Versión de Elis Regina y otras interpretaciones

El mismo año en que se lanzó la canción de Belchior, Elis Regina grabó su versión, en el famoso álbum Falso brillante.

Una de las mejores cantantes brasileñas de todos los tiempos, la artista como nuestros padres en una de las principales canciones de la resistencia.

Mira la interpretación del artista a continuación:

A pesar del fuerte contexto histórico, la canción sigue siendo exitosa y reconocida por las nuevas generaciones.

María Rita, hija de Elis, volvió a grabar el éxito muchos años después. También se sentó Pitty, una cantante conocida por canciones con fuerte crítica social.

Película como nuestros padres (2017)

La música de Belchior parece haber inspirado el título de la película escrita y dirigida por Laís Bodanzky. El largometraje de 2017 muestra los conflictos entre la protagonista, Rosa, y sus padres, que viven sus vidas de formas muy diferentes.

Sobre Bélchior

Antonio Carlos Belchior (26 de octubre de 1946 - 30 de abril de 2017) fue un cantante, compositor y artista brasileño.

Uno de los grandes nombres de la MPB, lanzó el disco una alucinacionen 1976, promocionado como uno de los discos más revolucionarios de la música nacional.

Entre los temas del álbum, la canción como nuestros padresque representó el sufrimiento de toda una generación.

Belchor de Ivana Mascarenhas.

Gran cultura i Spotify

Aprovecha para escuchar lista de reproducción que hemos preparado para ti, conteniendo los más grandes himnos de oposición a la dictadura militar.

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Los 7 grandes éxitos de los Novos Baianos

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:35:15 +0000

Icono de los setenta, ¿quién no recuerda a los Novos Baianos? Original y revolucionario, el grupo producido entre 1969 y 1979 sigue siendo una inspiración para la nueva generación de artistas brasileños.

¿Qué tal recordar algunos éxitos de esa época?

1. El misterio del planeta

Estoy mostrando como soy y estoy siendo como puedo.
Tirar mi cuerpo al mundo,
caminando por cada esquina
y con la ley natural de los encuentros,
Salgo y consigo los dos.
Y lo transmito a simple vista o con gafas.

en el pasado,
Participo como el misterio del planeta.

la carta de El misterio del planeta Se trata de una cuestión de identidad. Aquí el yo lírico explora quién es y qué papel juega en el mundo.

El sujeto poético busca encontrar un espacio para sí mismo y busca definirse a sí mismo a través de las palabras, abrazando y aceptando todas las experiencias que pasan por él, siendo característico de un comportamiento joven, aventurero.

La composición habla de entrega, contacto, sociedad y comunión con la otra persona. Sólo así el yo lírico cree que tiene sentido estar en el mundo: en relación con la otra persona.

dos. la chica baila

Cuando tengo todo, todo
todo se volvio
me doy la vuelta
Pero vuelvo mis ojos

Solo entré al juego porque
estoy justo despues
después de agotarse
El tiempo reglamentario

La canción compuesta por Luiz Galvão (letra) y Moraes Moreira (música) fue creada pensando en la voz de Baby Consuelo y habla de una niña llena de actitud, dueña de su propio cuerpo y llena de voluntad.

La canción habla de independencia y libertad las mujeres en particular, aunque puede leerse en el contexto de la persona en general.

Vale la pena recordar que estamos hablando de un período de gran protección y censura por parte del gobierno militar en Brasil. En este sentido, la canción también es extremadamente valiente y revolucionaria.

3. Negro Negro

Mientras corría, así fui
Iba a llamarte mientras el barco navegaba

no se me paso por la cabeza
uno uno uno
Entonces, te llamaré, así lo harás.

Allí, allí, allí, allí, allí, allí, allí, allí
negro, negro, negro
Iba a llamarte mientras el barco navegaba

El compositor del conjunto (Luiz Galvão) escribió la canción en honor a una joven que conoció y con la que tenía una aventura. romance frustrado. Según el letrista, la chica vino a presentarle a su padre, pero terminó desistiendo de la relación y volvió con su novio, así sucedió. Negro Negro.

El ferry hace referencia al cruce del puente Río-Niterói, ya que la niña vivía del otro lado de la Bahía de Guanabara y Luiz vivía en el departamento de los Novos Baianos en Botafogo (en Río). La canción quedó inmortalizada en la voz de Moraes Moreira y se convirtió en uno de los clásicos de la música brasileña.

Una curiosidad: la canción original era extremadamente larga (siete minutos de duración) y finalmente obtuvo otra versión más corta.

4. Péndulo Campo Grande

mi carne es de carnaval
mi corazón es el mismo
mi carne es de carnaval
mi corazón es el mismo
mi carne es de carnaval
mi corazón es el mismo

Los que tienen una flecha
y cuatro cartas de amor
así que donde sea
camino a cualquier parte
hago

La euforia y la emoción son las señas de identidad de Novos Baianos y Péndulo Campo Grande que la energía se transfiere bien. La canción, cargada de metáforas, hace referencia al carnaval bahiano, cuna de los jóvenes integrantes de la banda.

Hay un tono místico y espiritual, características de muchos de la generación hippie que vivió durante los años setenta. El espíritu de celebración y comunión también es propio del grupo.

5. Eres una bestia

Eres una bestia, eres una bestia, eres una bestia, eres una bestia, eres una bestia, eres una bestia.

No vivas en este mundo si no hay otro mundo.

(¿Por qué no vives?)
No vivas en este mundo.
(¿Por qué no vives?)
Si no hay otro mundo.
(¿Por qué no vives?)
No otra vida.

La letra de arriba, compuesta por Moraes Moreira, contiene un eslogan simple que se repite a lo largo de la canción. La canción sirvió como una especie de mantra siendo propagada por los jóvenes del grupo en una serie de reuniones.

El propio autor asumió que esa generación usaba LSD y que la composición es el resultado de uno de esos viajes colectivos.

Aquí también vemos una descripción de escenas banales, pero cargadas de un tono de pensamiento y esfuerzo por encontrar respuestas a preguntas filosóficas que nos afecta a todos.

6. se acabo de llorar

tal vez a través del pequeño agujero
mi casa fue invadida
me desperté en la cama
tomó mi corazón
Y se sentó en mi mano.

Abejas, abejas...
terminé llorando
llamame para ver

El tema anterior es uno de los más importantes del grupo, tanto que dio origen al nombre del álbum lanzado en 1972. Escrita por Luiz Galvão y musicalizada por Moraes Moreira, la composición fue inspirado en una situación real.

Cuando los Novos Baianos vivían juntos (en la hacienda Casinha do Vovô), Luiz Galvão fue sorprendido por una situación que le sucedía con cierta regularidad: una abeja entraba por la ventana y se posaba en su mano. Se interesó, vio en esta historia una oportunidad para desarrollar una canción.

La música, que utiliza mucho ruido, tiene una estética inspirada en la obra de João Gilberto, a quien los jóvenes consideraban el gurú espiritual del grupo.

7. Pandeiro de Brasil

Es hora de que estos bronceadores demuestren su valía.
Fui a Penha, le pedí al patrón que me ayudara.
Salva el Morro do Vintém, Cuelga la falda que quiero ver
Quiero ver al Tío Sam tocar la pandereta para samba al mundo

El tío Sam quiere conocer nuestra batacada
Está diciendo que la salsa de la comida mejoró su plato.
Entra el cuscús, el acarajé y el abará
En la Casa Blanca ya bailó al yoyo batucada, iaiá

yo Pandeiro de Brasil vemos un samba de rescate realizado por los Novos Baianos. Assis Valente, amigo de João Gilberto, compuso la canción en 1940. Fue escrita para Carmen Miranda, pero el artista la rechazó.

Tras ser rechazado, João Gilberto se acordó de sus discípulos y decidió enviar la composición a los Novos Baianos, quienes aceptaron de inmediato la propuesta.

Las letras hablan de la relación entre los brasileños y el mundo exterior y de esta transferencia de influencias y música. Con un tono alegre y soleado, Pandeiro de Brasil trata de resumir nuestra cultura múltiple y diversa.

Bajo los nuevos bahianos

El principio

1969 fue el año de fundación del grupo. El proyecto fue iniciado Traer animales a la tierra después del diluvioactuó en el Teatro Vila Velha, en Salvador (Bahía).

Los Novos Baianos actuaron durante el período histórico marcado por la dictadura militar. El grupo, que estuvo marcado por la combinación de ritmos (bossa nova, frevo, baião, rock, choro), fue influenciado directamente por Tropicália.

Los Novos Baianos fueron un hito en los años setenta en Brasil

eran miembros clave el grupo: Moraes Moreira (voz y guitarra), Luiz Galvão (compositor), Paulinho Boca de Cantor (voz) y la pareja Baby Consuelo (voz) y Pepeu Gomes (guitarra).

álbum debut, Es hierro en la muñecael cual estuvo marcado por el sonido pesado del rock con tonos locales.

cubierta de disco Es hierro en la muñeca

¿Por qué el nombre Novos Baianos?

El origen del nombre de la banda es curioso: cuando los músicos se inscribieron para el V Festival de Música Popular Brasileira, en 1989, sin tener realmente un nombre, Marcos Antônio Riso, quien era el coordinador del evento en ese momento, afirmó:

“Llama a estos nuevos bahianos”

Y así se nombró al grupo. Mira el video del evento:

vida juntos

Cuando se mudaron de Bahía, los Novos Baianos fueron a São Paulo a vivir juntos en una comunidad anárquica.

El otro destino fue Río de Janeiro (más precisamente un lugar en Jacarepaguá) donde todos optaron por pasar más tiempo juntos, conviviendo de forma hippie con el objetivo de lograr una mejor relación. El plan parece haber funcionado.

El ascenso y caída

El tercer álbum de la banda. se acabo de llorar (1972) fue elegido por la revista Rolling Stones como el mejor álbum de la historia de la música brasileña.

Al año siguiente se estrenaron Novos Baianos FC (1973) más tarde una mujer nueva (1974).

CD Cover se acabo de llorar

El conjunto continuó creando y actuando durante un tiempo hasta que decidieron retirarse por completo en 1979.

Moraes Moreira fue la primera persona en tener éxito en el proyecto cuando decidió seguir una carrera en solitario. Tarde o temprano, los otros miembros eligieron el mismo camino.

Los Novos Baianos se reunieron en 1997 para lanzar el álbum doble infinito circular. En 2016 se reencontraron para realizar una serie de espectáculos.

Los Novos Baianos se reencontraron a finales de los noventa.

Listen to Novos Baianos on Spotify

Cultura Genial preparó una lista de canciones especialmente para este artículo, ¡échale un vistazo!

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Las 10 mejores canciones de Tropicalia

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:27:16 +0000

El tropicalismo fue un movimiento musical que provocó una verdadera revolución en la cultura brasileña. De hecho, jóvenes músicos lograron venir y tener un gran impacto, no solo en esa generación sino también en varias generaciones por venir.

Con las primeras actuaciones de Tropicália en 1967, el movimiento tomó verdaderamente proporciones consolidadas en 1968. Las formaciones valientes fueron creadas durante el período histórico marcado por la dictadura militar (1964-1985).

Los principales nombres de esta apasionante generación fueron Caetano Veloso, Gilberto Gil, Os Mutantes y Gal Costa. Recuerda ahora las canciones que marcaron la época.

1. alegría alegría (Caetano Veloso)

caminando contra el viento
Sin pañuelo y sin documento
En el sol casi diciembre
Voy a ir
El sol se descompone en crímenes
Naves espaciales, guerrillas
en bonitos cardenales
Voy a ir
contra los presidentes
En los grandes besos del amor
En dientes, piernas, banderas
Bomba y Brigitte Bardot

alegría alegría también conocido por el público en general como Sin pañuelo y sin documento fue presentado en el tercer MPB Festival on Television Recording (en 1967) y se convirtió en una de las mejores canciones de Tropicália.

Caetano Veloso era uno de los líderes del grupo y actuaba con un conjunto de rock argentino que usaba guitarras eléctricas. El horror surgió porque los instrumentos eléctricos no eran muy bien recibidos en los festivales.

Del pasaje anterior, ya podemos ver cómo se pretendía la composición. una especie de proclama, incluso criticando abiertamente a los intelectuales de izquierda. A lo largo de la letra, Caetano aborda nuevas direcciones estéticas brasileñas.

Es una canción fácil, actual, llena de actitud y fiel reflejo de su época.

dos. ese abrazo (Gilberto Gil)

Río de Janeiro sigue siendo hermoso
Río de Janeiro sigue siendo
Río de Janeiro, febrero y marzo

Hola realengo
¡Ese abrazo!
Hola hinchas de Flamengo
ese abrazo

El reencuentro continúa
balanceando el vientre
Y tocando la bocina a la chica
Y liderando a las masas
y sigue dando
Las órdenes en el suelo

Una declaración de amor a Río de Janeiro hecha por Bahian, así son sus letras ese abrazo

En el pasaje anterior, que es solo el comienzo de la canción, vemos una serie de referencias culturales relacionadas con la ciudad que ha sido la cuna de la escena musical brasileña durante las últimas décadas.

la canción dice aspectos de la cultura de masas como el característico barrio suburbano (Realengo), el programa de televisión (Chacrinha) y el equipo de fútbol más popular de Río (Flamengo). ese abrazo se ve soleado, optimista y funciona como un registro de su tiempo.

3. Panis et circus (Caetano Veloso y Gilberto Gil cantada por Os Mutantes)

yo queria cantar
La canción mi sol
Dejé caer los trapos sobre los árboles en el aire
Solté los tigres y leones en el patio trasero
Pero la gente en el comedor
Están ocupados naciendo y muriendo.

lo había hecho
De puro acero daga brillante
Para matar a mi amor y lo hice
A las cinco en la avenida central
Pero la gente en el comedor
Están ocupados naciendo y muriendo.

La música compuesta en sociedad por Gilberto Gil y Caetano Veloso conquistó el mundo en la voz del grupo Os Mutantes, banda fundada por Sérgio Dias, Arnaldo Baptista y Rita Lee.

Lo que vemos arriba es un extracto de la composición grabada en 1968, en el álbum Tropicália o Panis Et Circenses.

El título de la canción es muy pegadizo y hace referencia a la politica de pan y circo (establecido durante el Imperio Romano). En su momento, la comida y el entretenimiento sirvieron para llamar la atención de la población y los políticos hicieron lo que quisieron.

La crítica parece personalizada aquí entre la gente del comedor, una minoría fútil y completamente ajena -incluso alienada- dada la opresiva situación política de Brasil.

4. gel general (Torquato Neto y Gilberto Gil)

Un poeta deja la bandera
Y comienza la mañana tropical
resplandeciente, cayendo, fagueira
En el calor del girasol con alegría
En general gel brasileño
Que el periódico en Brasil anuncia

ê bumba ê ê boi
El año que viene, el mes pasado
ê bumba ê ê ê ê
Es el mismo baile, querida

La frase Geleia Geral proviene de un verso de Décio Pignatari y se convirtió en canción de eslogan de Torcuato Neto y Gilberto Gil.

La música es bastante representativa del movimiento al mezclar ritmos - rock y baião - y también una serie de referencias culturales - como el poema Canção do Exílio y el Manifiesto Antropofágico, de Oswald de Andrade.

Los versos anteriores son solo un breve fragmento de la canción, es decir. canción emblemática del movimiento Tropicalista. Este es un tributo a nuestra cultura híbrida, plural y rica, y al mismo tiempo una declaración del tiempo controlado en el que vivimos, todo esto revelado en letras inspiradoras y provocativas.

5. Lindonéia (Caetano Veloso y Gilberto Gil)

Enfrente del espejo
sin que nadie lo vea
Señorita
Hermosa fea
Falta Lindonia

aplastado atropellado
perros muertos en las calles
policías mirando
El sol golpeando las frutas.
Sangrado
Oh mi amor
La soledad me va a matar de dolor

Música de Nara León, Lindonéia Fue compuesta por Caetano y Gilberto Gil y surgió a partir de un artículo periodístico que relataba el suceso de Lindonéia en los suburbios.

Rubens Gerchman después de leer las noticias inventó la pantalla la linda lindonia (1966) y Nara le pide a Caetano que convierta la historia en música.

Cuadro la linda lindonia por Rubens Guerchman que inspiró la canción.

Es extraño como Nara Leão no aparece en la foto de la portada del disco, así como su personaje desaparecido.

La música lleva un un juego entre el espacio privado y el espacio público Representación, por ejemplo, por la intimidad del espejo en la casa y el miedo de estar en la calle con la policía mirando.

6. el corazón de una madre (Vicente Celestino)

Un campesino le dijo a su amada
Mi ídolo, di lo que quieras
Por ti mataré, robaré
Aunque me pones triste, señora
prueba que te quiero
Aprecio tus ojos, tu comportamiento, tu ser
Pero di tu orden, espero
Para ti no importa, matar o morir
Y le dijo al acompañante, en broma
Si tu loca pasión es verdad
Piezas ahora y voy a conseguir
Todo el corazón de tu madre
Y el campesino se escapó
Como un relámpago en el camino desaparecido
Y tu amor estaba loco
Un grito cayó en el camino

el corazón de una madre es la segunda pista del disco historico Tropicalia o Panis Et Circenses.

La canción mezcla lo trágico con lo melodramático y por ello hay quienes interpretan la composición con un tono irónico, pastiche, paródico.

La música, con el arreglo de cuerdas de Rogério Duprat y la fuerte interpretación de Caetano, destaca la diferencia entre el tropicalismo y la bossa nova. destacados de letras conquistar esa generación al poder liberarse de la fórmula música.

7. Increíble Nobis (Gilberto Gil)

Miserere-re nobis
Bueno, bien por los nobis.
Será para siempre, oh, sí
Siempre lo es, siempre lo será

No somos como cuando vinimos
Tranquilo y delgado, esperando la cena
En el borde del plato limitado a la cena
Espinas de pescado de vuelta al mar

Título de la canción - Increíble Nobis - es una expresión latina que aparece en la misa católica. Vale la pena recordar que los compositores de Tropicália fueron creados en el noreste y sufrieron, aunque indirectamente, la influencia religiosa. La generación de Gil y Caetano se apartó de una matriz cristiana y esta injerencia se reflejó en los poetas del grupo.

El canto abre con un tono solemne, similar al de los servicios religiosos, y la letra juega con la sangre de Cristo y el vino. En la composición de Gilberto Gil, la comida tiene un papel político, destacando también la carácter cuestionador y cautivador de esa generacion

8. parque Industrial (Tom Ze)

es solo un recalentamiento
y úsalo,
es solo un recalentamiento
y úsalo,
Porque está hecho, hecho, hecho, hecho en Brasil.
Porque está hecho, hecho, hecho, hecho en Brasil.

Retoca el cielo índigo
Banderines en la cuerda
Gran fiesta en todo el país.
me despierto con oraciones
el progreso industrial
Ven a nuestra redención.

es una chica del cartel
Guardianes y guardianes en el cartel,
Mira la pared,
Mi felicidad
Al instante se recupera

parque Industrial Está registro de tu tiempo y enfatiza el juego de relaciones de poder entre países. Aquí hablamos de importar y exportar, no solo bienes de consumo sino también valores y cultura.

Tom Zé enfatiza la relación antropofágica de Brasil como una característica fundamental de nuestra cultura y también enfatiza la mezcla de tiempos (la dimensión de la arqueología que alterna con la modernidad en un país que vivió bajo los auspicios de una dictadura). Vale la pena recordar que Brasil en ese momento todavía era mitad rural y mitad urbano, un verdadero espacio híbrido.

Las letras del compositor bahiano comentan cosas que no han funcionado en nuestro proceso industrial y critican una serie de decisiones políticas tomadas por las personas que gobernaron el país.

9. Hasta que venga tu lobo (Caetano Veloso)

Caminemos en el bosque escondido, mi amor
Caminaremos por la avenida
Caminaremos por los senderos, mi amor
Hay una cordillera bajo el asfalto.

Estação Primeira da Mangueira pasa por calles anchas
(trompetas banda militar)
Pasa por debajo de la Avenida Presidente Vargas
(trompetas banda militar)
Presidente Vargas, Presidente Vargas, Presidente Vargas
(trompetas banda militar)

Hasta que venga tu lobo sí la canción del mundo político, los escenarios reflejan el clima de represión que afectó a Brasil durante la dictadura militar. La música es contemporánea a las manifestaciones y marchas contra el régimen. A pesar de la lucha, el tono oscuro se establece (la melodía comienza con un aire supuestamente ligero, optimista, y gana peso).

La composición es una especie de presagio porque meses después llega el lobo (metafóricamente la dictadura) y exilia a Caetano y Gil, los dos grandes nombres de Tropicália.

El resultado de la canción es un Incitación a la protesta y guerra de guerrillas.. Ella informa que la posición de los Trópicos se está fortaleciendo frente a los años anteriores.

10 Mamá, coraje (Caetano Veloso y Torcuato Neto)

Mamá, mamá, no llores
la vida es así
me fui
Mamá, mamá, no llores
Nunca voy a volver allí
Mamá, mamá, no llores
la vida es así
Realmente quiero esto aquí

Mamá, mamá, no llores
Consigue algo de ropa
leer una novela
Ver cuentas de mercado

A pesar de la creación de Torquato por parte de Caetano, mamá, Coraje inmortalidad en la voz de Gal Costa. El título, a su vez, fue tomado de una pieza de Brecht que sirvió de inspiración a los bahianos.

En una lectura más superficial, podemos decir que la canción trata sobre una madre preocupada por la vida de su hijo en la gran ciudad. Mucha gente, sin embargo, lee la canción biográficamente, como si se tratara de un posible diálogo entre Torquato y su madre Salomé. Cabe recordar que el músico falleció trágicamente, luego de suicidarse con tan solo 28 años de edad.

mamá, Coraje Está un retrato duro, cruel y verdadero de una relación madre e hijo de esa generacion

Más información sobre Tropicalía

Los principales nombres de Tropicália en el campo de la música fueron: Caetano Veloso, Gilberto Gil, Os Mutantes, Gal Costa, Torquato Neto, Guilherme Araujo y Tom Zé.

Pero el movimiento tropical acabó repitiéndose en varios campos artísticos (no sólo en la música sino también en el teatro, las artes visuales, la poesía, el cine).

Independientemente del medio, los artistas pretendieron tejer un análisis crítico de la cultura brasileña, provocando una reflexión profunda y mostrando un acercamiento real al habla ordinaria.

El nombre del grupo se estableció en 1968, cuando Nelson Motta escribió y publicó un manifiesto en el periódico Última Hora do Rio de Janeiro llamado Cruzada Tropicalista.

Los jóvenes que hicieron Tropicália

Había un deseo común entre los artistas de Conradh na Gaeilge competición, experimentación, fomento de la innovación estética.

La voluntad de promover una canibalismo cultural traducido, por ejemplo, en el uso de combinaciones improbables en la música: los compositores mezclaron música rock, bolero, bossa nova, samba. No solo promovieron una mezcla de ritmos, sino que también utilizaron instrumentos irreflexivos que mezclaban lo familiar con lo popular.

Esta bulla cultural fue retransmitida en directo, a través de los Festivales de la Canción transmitidos por televisión.

Cuando llegó la represión, con la implementación del Acto Institucional nº 5, en diciembre de 1968, Caetano Veloso y Gilberto Gil, principales nombres del movimiento, fueron detenidos. Más tarde fueron exiliados a Inglaterra.

Escucha la mejor banda sonora tropical en nuestro Spotify

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Las 10 mejores canciones infantiles gratis,

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:19:15 +0000

La música juega un papel fundamental en el desarrollo del niño, ayudando no solo en la socialización, sino también en el proceso de adquisición del lenguaje y en la consolidación de la confianza en sí mismo.

Recuerda diez grandes canciones infantiles, conoce el significado de cada una y descubre la importancia que pueden tener en la maduración de los más pequeños.

Casa

era una casa muy divertida
No había techo, no había nada
nadie podia entrar
Porque no había piso en la casa.
Nadie podía dormir en la hamaca.
Porque no había pared en la casa.
cualquiera podría orinar
porque no estaba la olla
Pero se hizo con mucho cuidado.
En la calle de los tontos numero cero

La canción da vida a una casa extraña, completamente vacía, donde falta todo. Algunos dicen que las letras hacen pequeño al oyente aprecia lo que tienes dentro de su propia casa por la ausencia del lugar de canto.

Casa es un clásico de Vinicius de Moraes que salió en el libro en los años setenta Arca de Noé habiendo superado con éxito la barrera del tiempo de atraer a los niños hasta el día de hoy. Los versos hicieron música en los años ochenta en la voz de Toquinho.

Su curiosidad: la Casa da Letra existió de verdad, estaba vinculada a un proyecto del artista uruguayo Carlos Páez Vilaró, amigo de Vinicius de Moraes.

Vilaró decidió construir una casa/estudio para él solo en la ciudad de Punta Ballena en 1958. Construyendo el proyecto de forma independiente y desde cero, el espacio permeable estuvo ausente durante mucho tiempo.

la canoa se hundió

la canoa se hundió
'Porque la dejaron girar
fue por maria
que no supo remar

si yo fuera un pez
y sabía nadar
tomé a María
desde el fondo del mar

Siri aquí
Siri ve allí
María es hermosa
Y quiere casarse.

la canción de cuna la canoa se hundió Era la banda sonora de una serie de juegos infantiles.

Con la letra el niño aprende a relacionarse socialmente (ya que es costumbre decir los nombres de los niños a lo largo de la letra).

La canción también tiene un efecto moral porque desarrolla la noción de causa y efecto (La canoa salió mal porque la persona que debía desmontarla no sabía cómo hacerlo), lo que reforzaba la importancia del sentido de la responsabilidad.

No le tires la polla al gato

No le dispares la verga al gato (go-chu)
Porque esto (Esto-Esto)
no (hacer)
El gatito (no-no)
el es nuestro amigo (ir)
No debemos tener malos modales.
Los animales
¡Bueno!

La letra de arriba es la versión mejorada, algunos dicen políticamente correcta, de una canción cantada por muchas generaciones (le tiré el palo al gato).

La nueva canción enseña a los niños gratis, respetar a los animales y desarrollar una relación amorosa y afectuosa con los gatos.

Brilla, brilla una pequeña estrella

Brilla, brilla, estrellita
Aquí en el cielo negativo
plomo solitario
Por el cielo con tu luz libre,

Brilla, brilla, estrellita
Aquí en el cielo negativo
Brilla, brilla, estrellita
Aquí en el cielo negativo

la carta de Brilla, brilla una pequeña estrella enseña al niño pequeño a desarrollar una relación con el espacio y date cuenta de que eres parte de un sistema mucho más amplio de lo que estás acostumbrado a pensar.

Los breves versos alientan a los pequeños a mirar hacia arriba y observar el cielo.

Debido a que el personaje de la canción es una estrella específica, el concepto de soledad también se le presenta al niño de manera positiva (la estrella, solitaria y pequeña, tan poderosa que puede esparcir luz en la inmensidad del cielo).

Marcha del soldado

Marcha del soldado
cabeza de papel
Quien no marcha bien
ir al cuartel

El cuartel se incendió
apareció la policía
Acode, acode, acode la bandera nacional

Es una de las canciones infantiles más famosas. Marcha del soldado. La letra, en primer lugar, nos da un contexto en un espacio militar y presenta los deberes del soldado hacia el niño.

Poco después nos enteramos de lo que sucede si el oficial no cumple con sus deberes (aquí se presenta al niño al el concepto de castigo).

La segunda parte de la letra ya cuenta una pequeña historia: el cuartel se incendió y hay que salvarlo. En este pasaje, el niño aprende cómo el nuestro y el cuidar el bien común.

Si esta calle fuera mía

si esta calle
Si esta calle fuera mía
yo envié
yo tenia un azulejo
con guijarros
con guijarros brillantes
Solo para ver
Solo mira mi buen pase

Una canción popular en la rueda Si esta calle fuera mía el niño aprende, ante todo, a distinguir el espacio público del espacio privado. Los versos también hablan de amor y de queremos hacer del mundo un lugar mejor para los que amamos.

Mientras escuchan la letra, las personitas, como el autor de la canción, se dan cuenta de que no podemos hacer todo lo que queremos, pero podemos enfocarnos en otra realidad. Aquí, el yo lírico muestra afecto con el impulso de transformar la calle del barrio en un lugar más hermoso para la persona amada.

La rana no se lava la pata.

La rana no se lava la pata.
no te laves porque no quieres
el vive ahi en la laguna
no te laves los pies porque no quieres
pero que olor!

la carta de La rana no se lava la pata. enseña a los niños higiene básica y cuidados personales.

La rana, en el canto, adquiere características humanas y los pequeños se identifican fácilmente con él, compartiendo el deseo de dejar de lado sus hábitos de limpieza.

En el último verso vemos la consecuencia de la decisión de la rana, y los niños entienden lo que sucederá si deciden seguir la misma elección.

El clavel peleó con la rosa

El clavel peleó con la rosa,
Debajo del balcón,
El clavel salió amargo,
Y la rosa rota.
El clavel se enfermó,
la rosa fue a visitar,
El clavel era débil,
Y la rosa empezó a llorar.

La canción El clavel peleó con la rosa atraviesa generaciones y habla de las idas y venidas de una pareja enamorada.

Al escuchar la letra, el niño aprende de manera ligera que las relaciones amorosas tienen altibajos, buenos y malos momentos. Tristemente, la canción refleja una situación no tan buena, pero también muestra que, a partir de esta triste historia, las dos cosas se juntaron.

Cara negra de un buey

buey, buey, buey
Cara negra de un buey
Toma a este niño que le tiene miedo a las muecas

No es
no lo tomes
Es lindo, lloró, pobrecito.

la canción de cuna Cara negra de un buey enseñar al niño pequeño a sé valiente y no tener miedo ante algo inesperado y completamente aterrador.

Al mismo tiempo que parece amenazar al niño de alguna manera, la canción Cara negra de un buey muestra que compasión - el que canta tiene piedad de las lágrimas del pequeño. Por lo tanto, el niño tiene su miedo a la legitimidad.

Ciranda kirandinha

Ciranda kirandinha
¡vamos a darle la vuelta a todo!
demos la vuelta
giro y medio daremos

Es una de las canciones más populares entre los niños durante generaciones. Ciranda Kirandinha. Con una letra muy sencilla, la importancia de la canción no está directamente en la enseñanza que está presente en los versos, sino en las interacciones sociales que la música propicia.

Ciranda kirandinha es costumbre cantar una canción juntos, durante un juego en círculo, lo que da a los niños una interacción divertida donde comparten espacio y se comunican entre sí.

Este tipo de canto colectivo ayuda al desarrollo físico del niño ya que mejora la expresión corporal, el habla y favorece la comunicación con los demás. niños y con el adulto dirigiendo el juego.

La importancia de la música infantil gratis,

La música es una de las primeras experiencias sociales de un niño. De hecho, los bebés son sensibles a la música antes de nacer. (Setter)

Pocas personas entienden el verdadero valor de las canciones en el mundo del desarrollo infantil. Exponer a los niños al mundo de la música tiene muchos beneficios: entre las mayores contribuciones a la música está el hecho de que ampliar vocabulario facilitando el proceso de alfabetización y el desarrollo de la capacidad de concentrarse por un tiempo en una actividad.

Los niños también se benefician desde un punto de vista lingüístico al estar en contacto con libros e imágenes porque las canciones agregan dimensiones adicionales a la comprensión y brindan un incentivo para las actividades de enseñanza/aprendizaje que conducen a diferentes formas de pensar (Jalongo y Bromley, 1984).

Además de amplificar la habilidad para concentrarselas canciones enseñan de forma ligera y mejoran el vocabulario -habla-, fomentando la correcta pronunciación de las palabras.

En forma individual, la música fomenta la creatividadayuda con el procesamiento de la memoria y promueve la confianza en uno mismo y la autoestima.

En el caso de la música acompañada de gestos, la actividad favorece la coordinación motora y señalización corporal.

La música y el proceso de socialización.

Juntos, las canciones ayudar a la integración con otros niños y dejar que los más pequeños entren en contacto con diferentes realidades y culturas. Según la Referencia Curricular Brasileña para la Educación Infantil 1998:

Es muy importante jugar, bailar y cantar con los niños, teniendo en cuenta sus necesidades de contacto físico y vínculo afectivo.

La relación con los padres y cuidadores también se ve beneficiada: la música ayuda a mejorar la comunicación con los adultos y vínculo fortalece el cariño con los involucrados con el niño en la actividad.

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musica bella ciao

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:10:12 +0000

Bella Ciao es una canción tradicional italiana que se cree que se originó en las plantaciones de arroz a finales del siglo XIX.

Aunque comenzó como un canto laboral rural, la canción es mejor conocida como una canción de resistencia antifascista durante la Segunda Guerra Mundial.

Recientemente, el tema fue recordado y se hizo aún más famoso, integrando la banda sonora de la serie española. casa de Papelque batió récords de audiencia.

Bella Ciao: Letras y música

Aunque la canción fue cantada y grabada en diferentes momentos, con diferente letra, una versión se hizo popular en todo el mundo: la que hablaba sobre el fascismo italiano.

Por su valor histórico, y también por su belleza, esto es lo que analizaremos (en la grabación de Bassotti Band, una de las más famosas).

Una mattina mi hijo svegliato
Oh bella chao, bella chao, bella chao, chao, chao
Una mattina mi hijo svegliato
Y ho trovato l'invasor

El partisano, portami via
Oh bella chao, bella chao, bella chao, chao, chao
El partisano, portami via
Che mi sento di morir

Y si io muoio da partigiano
Oh bella chao, bella chao, bella chao, chao, chao
Y si io muoio da partigiano
Me debías un seppelir

Y seppellire lassù en montagna
Oh bella chao, bella chao, bella chao, chao, chao
Y seppellire lassù en montagna
Sotto l'ombre di un belfior

Tutte le genti che passeranno
Oh bella chao, bella chao, bella chao, chao, chao
Tuttle le genti che passeranno
Mi diranno: Che belfior

Y rompu' è il fiore del partigiano
Oh bella chao, bella chao, bella chao, chao, chao
Y quest'è il fiore del partigiano
Morir por la libertad

Y quest'è il fiore del partigiano
Morir por la libertad

Traducción y análisis de música Bella Ciao

la primera estrofa

Una mañana me desperté
¡Querida, adiós! ¡Querida, adiós! Bebé, hola, hola, hola!
Una mañana me desperté
Y encontré un intruso

La canción comienza con el tema lírico dirigiéndose a alguien a quien es muy cercano (y se refiere como "amor"). Dice que se encontró cara a cara con una "invasión" cuando se despertó. Desde el principio entendimos que estamos en una situación de conflicto, de guerra, y que la Un hombre está en peligro..

Así comienza su salvación, que dura hasta el final del cántico. Además de despedirse de su interlocutor, parece que está diciendo adiós a la vida misma.

segunda estrofa

Oh miembro de la Resistencia, sácame
¡Querida, adiós! ¡Querida, adiós! Bebé, hola, hola, hola!
Oh miembro de la Resistencia, sácame
porque siento que me voy a morir

Pide ayuda a la Resistencia, la un movimiento guerrillero que trató de luchar contra los soldados nazis y el régimen autoritario de Mussolini.

Incluso si no conociéramos la historia de Italia y el gobierno de Hitler y Mussolini, podríamos captar la atmósfera de miedo y opresión a través de las palabras del sujeto.

Aquí, ya no necesita ocultar la gravedad de la amenaza, anunciando que siente que se acerca la muerte. Aunque sabe que probablemente sea en vano, sigue pidiendo ayuda.

tercera estrofa

Y si muero siendo miembro de la Resistencia
¡Querida, adiós! ¡Querida, adiós! Bebé, hola, hola, hola!
Y si muero siendo miembro de la Resistencia
tienes que enterrarme

Más resignado a la posibilidad de su muerte, el yo lírico se toma a sí mismo como un "miembro de la Resistencia". es parte de eso lucha antifascista y sabe que eso aumenta la posibilidad de morir, despidiéndose de su mujer mientras pueda.

Como miembro de la Resistencia, el sujeto sabe que un más probabilidades de morir. En estos versos, es como si estuviera preparando a su pareja y pidiéndole que sea fuerte.

A pesar del ritmo rápido y hasta vivaz de la canción, su mensaje es bastante triste: aquí la violencia es parte natural de la vida.

cuarta estrofa

Y yo estaba enterrado en lo alto de las montañas
¡Querida, adiós! ¡Querida, adiós! Bebé, hola, hola, hola!
Y yo estaba enterrado en lo alto de las montañas
Bajo la sombra de una hermosa flor

Ya aceptando su muerte, dándose cuenta de que no habrá salvación, le pide a su compañero que lo entierre en la cima de una montaña, en algún lugar alto, para que los demás lo vean.

Oh guerrillero anonimo quiere ser enterrado junto a una "hermosa flor", una imagen que contrasta con el paisaje de terror en el que se encuentra.

En medio de una narrativa tan disfórica y pesada, aparece de repente algo simple y lleno de vida como una flor, que le da a la canción una nueva vida.

quinta estrofa

Toda la gente que va
¡Querida, adiós! ¡Querida, adiós! Bebé, hola, hola, hola!
Toda la gente que va
Me dirán: ¡Qué hermosa flor!

En la quinta estrofa, este hombre continúa despidiéndose de alguien a quien ama. En los versos, sigue el razonamiento del pasaje anterior, explicando por qué quiere ser enterrado en ese lugar en particular.

Quiere tener la flor que crecerá en su tumba ultimo mensaje de fuerza y ánimo a vuestros compañeros. Dado que el destino está establecido, quiere que su muerte sea recordada, para que su historia pueda inspirar a otros.

sexta estrofa

Y esa es la flor de la Resistencia.
¡Querida, adiós! ¡Querida, adiós! Bebé, hola, hola, hola!
Y esa es la flor de la Resistencia.
El que murió por la libertad

Como si fuera un ciclo, este año intermedio sabe que algo nacerá de su muerte, "la flor de la Resistencia", que símbolo de coraje y desorden.

Por última vez, se despide de la mediadora, como si quisiera consolarla, porque sabe que su muerte no será en vano: la idea es que de allí nazca (o salga) algo nuevo.

A pesar de toda la trágica historia, el sujeto parece creer que su ejemplo podría ser uno más. semilla transformada en la sociedad y que, por tanto, todavía hay esperanza.

séptima estrofa

Y esa es la flor de la Resistencia.
El que murió por la libertad

La estrofa final repite los dos últimos versos del pasaje anterior. El yo lírico ya está hablando de sí mismo en tiempo pasado, lo que confirma que murió en nombre de la libertad.

Da la sensación de que estamos ante un sacrificio: alguien que camina hacia la tumba y es consciente de ello. Sin embargo, este hombre sabe que no puede rendirse, debe luchar, aunque muera por su causa.

Bella Ciao: una historia de la música

El origen de la canción.

Como suele ocurrir con los temas que forman parte del tradición popular (transmisión oral) no podemos saber quién compuso la música o escribió la letra original.

La mayoría de las fuentes indican que la música apareció en el norte y noreste de Italia, creada por Mondinas, trabajadores rurales que solo trabajaban en ciertas épocas del año.

la carta original criticó las condiciones de trabajo condiciones inhumanas a las que se enfrentaban en los campos de arroz. Además de ser golpeados por el sol, también fueron explotados y amenazados:

Mal trabajo, por poco dinero.

Esta versión fue grabada y grabada en 1962 por Giovanna Daffini, una ex cantante convertida en Mondina.

Por otra parte, Bella Ciao también tiene muchas similitudes con Canción judía, de tradición Klezmer, llamada Hola niña y compuesta por el ucraniano Mishka Ziganoff.

Canciones de la Resistencia Italiana

Para comprender cabalmente el mensaje de esta versión y su legado histórico, es importante recordar varios acontecimientos internacionales que fueron guiando el destino del mundo.

En 1939 comenzó uno de los conflictos más sangrientos de la humanidad, el Segunda Guerra Mundialque terminó en 1945.

Retrato del dictador italiano Benito Mussolini (1883 - 1945), 1930.

Benito Mussolini, líder del Partido Nacional Fascista, se convirtió en primer ministro de Italia en 1922. Tres años más tarde, ya ia régimen totalitariose consagró como "Duce" o líder de la nación.

En 1940, el dictador firmó un acuerdo con Hitler, el llamado Eje Roma-Berlín. Fue allí donde Italia entró en guerra y comenzó a luchar del lado de Alemania, contra los Aliados (Francia, Reino Unido, Estados Unidos y la Unión Soviética).

En 1943, los soldados nazis ya patrullaban las calles y las tropas aliadas invadieron el país. La gente estaba muriendo en los conflictos y la rebelión popular creció, junto con la pobreza y el hambre.

Retrato de Partigiani en la ciudad de Venecia, abril de 1945.

En ese momento, los soldados y civiles italianos se unieron para luchar contra las fuerzas fascistas. La Resistencia Italiana, también conocida como Partigiani, fue uno de los mayores movimientos de oposición contra el ejército nazi.

Luchando contra la dictadura italiana y la ocupación alemanalos guerrilleros lograron ejecutar a Mussolini y derrocar a los nazis en Italia.

Asociada a este ejemplo de poder y militarismo, la canción resonó en todo el mundo y se convirtió en un verdadero grito de guerra.

difundiendo musica

Como se mencionó anteriormente, la grabación de Giovanna Daffini ayudó a registrar la canción de Mondina y la hizo más popular.

El éxito ocurrió en la década de 1960 y esto no fue casual: como sabemos, este período estuvo marcado por varios movimientos sociales, como las luchas por derechos laborales y estudiantiles.

También se retransmitía en las Fiestas de la Juventud Comunista que se extendían por toda Europa, con soldados italianos que enseñaban la canción a sus compañeros.

Con el tiempo, la versión partidista de la canción (la que hace referencia a la Resistencia) cobró importancia. una canción contra el autoritarismo y la opresión.

Asi que, Bella Ciao comenzó a cantarse en varias manifestaciones y protestas internacionales. La canción también ha sido grabada por artistas de todo el mundo y ha ganado versiones en diferentes ritmos, desde el ska punk hasta el funk paulista.

musica significativa Bella Ciao

Música de ritmo rápido, como una marcha popular o un coro de celebración, Bella Ciao Tiene un mensaje mucho más oscuro de lo que parece.

la cancion cambia clima de opresión y amenaza constante que se siente como una sociedad gobernada por un gobierno autoritario y patrullada por nazis.

Aun sabiendo que morirá, el sujeto trata de animar a su compañero a resistir, seguir adelante y no renunciar a la libertad.

Emocionante y lleno de sufrimiento, este es un canción de despedida de un guerrillero que sigue, a pesar de todo, esperando la "flor de la resistencia" y todavía cree que habrá victoria.

Bella Ciao en la Serie la casa de papel

A través de los años, Bella Ciao recibió una nueva ola de popularidad gracias a la serie española la casa de papel.

En la narración (que sigue a un grupo de bandidos que planean un gran atraco), la música aparece en varios pasajes clave.

Cantada por la pandilla, la canción es un tipo de canción que el líder pasa al resto del grupo. El Profesor habría conocido el tema a través de su abuelo, quien formó parte de la resistencia antifascista italiana.

El simbolismo de Bella Ciao en la serie parece así: es un grito de rebelión para aquellos que quieren luchar contra un sistema opresor (en este caso, el sistema financiero).

Lea también: Canciones famosas sobre la dictadura militar de Brasil

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15 canciones de rap brasileñas que te harán pensar

Jose — Wed, 12 Oct 2022 03:02:21 +0000

Primero, está el música rap fue visto con sospecha y prejuicio por el público en general. La sociedad lo consideró peligroso, un vehículo para transmitir mensajes de delincuencia y desobediencia. Sin embargo, en las últimas décadas ha llamado la atención y ha estado a la vanguardia de la listas de reproducción multitudes, de todas las edades y procedencias, en todo el mundo.

En Brasil, el género musical también creció, se difundió y se transformó, llevando mensajes sociales y políticos muy fuertes. Hemos seleccionado 15 para ti golpes con letras poderosas que reflejan nuestra cultura y la era en la que vivimos.

1. ¿Hasta cuando?Gabriel el pensador (2001)

Gabriel el Pensador es uno de los raperos El brasileño más viejo y también uno de los letristas más asombrosos. Su trayectoria está marcada por un gran componente de crítica social y política que no deja indiferente a nadie.

¿Hasta cuando?uno de los temas más populares, es un un himno a la ira y rebeldía popular. Gabriel muestra la exuberancia de un típico brasileño, que lucha todos los días por sobrevivir. No tiene tiempo para nada, porque vive para trabajar, pero no puede ni comprarle un juguete a su hijo.

Me despierto, no tengo trabajo, busco trabajo, quiero trabajar
El señor me pide que haga el diplomado, no tengo diploma, no pude estudiar
Y quieren que sea educado
Que sería ordenado, que sabría hablar
Lo que el mundo me pide, no lo que el mundo me da
Consigo un trabajo, empiezo el trabajo, trabajo duro
Me despierto muy temprano, no tengo otra parte, no tengo tiempo para la razón.
No pido un descanso, pero ¿dónde puedo conseguir uno?
solo me quedo en el mismo lugar
El hijo me pide un juguete, no tengo dinero para dar

Dirigiéndose directamente a la clase obrera, nos recuerda que “de nada sirve mirar al cielo / con mucha fe y poca lucha”. En otras palabras, dice que no pueden simplemente orar para mejorar sus vidas, deben lucha por tus derechos. Sostiene que para que la realidad mejore, las personas deben ser conscientes y exigir dignidad y tiempo para vivir.

Por supuesto, cuando cambiamos, el mundo cambia con nosotros.
Cambiamos el mundo cambiando la mente
Y cuando la mente cambia, seguimos adelante
Y cuando ordenamos, nadie nos ordena

Una canción hecha para inquietar al oyente, ¿Hasta cuando? Está invitados a participar en la vida social y políticaun grito de rebelión contra la injusticia y la desigualdad de Brasil.

dos. drama negroRacionais MC's (2002)

es imposible hablar de eso música rap ni hablar de Racionais MC's, el grupo fundado por Mano Brown, Edi Rock, Ice Blue y DJ KL Jay, en 1988. Sus versos ya entraron en la historia de la música nacional, con éxitos como dijo jesus y vida loca, pero drama negro merecen nuestra especial atención en este artículo.

Como es habitual en el trabajo del grupo, la canción reflexiona sobre temas como el racismo, la pobreza y las múltiples dificultades de la vida al limite brasileños.

Borde, callejones, viviendas
Debes estar pensando en lo que vas a hacer con esto.
Desde el principio, por oro y plata
Mira quien muere, para que veas quien mata
Encuentra el mérito, el uniforme que hace el mal
Ya es cultural verme pobre en la carcel o muerto
Historias, registros, escritos.
No es un cuento, ni una leyenda, ni una leyenda ni un mito.

Reportando, entre otras cosas, episodios de brutalidad policial A raíz de estas muertes, Racionais quiere mostrar el clima violento en el que crecieron y viven: "Para los que viven en guerra, nunca ha habido paz".

Por lo tanto, llaman la atención de la sociedad brasileña sobre la normalización de estos problemas, a los que se ha acostumbrado. Si, por un lado, muestra indiferencia ante la desigualdad racial y social, por otro lado, comenzó a respetar a ídolos como 2Pac.

Lea también el análisis de la canción Jesús Chorou y los temas Vida Loka, parte I y II, por parte del grupo.

Tu hijo quiere ser negro, ¡ah! que ironía
Pon el cartel de 2Pac, entonces, ¿qué te parece? ¿Qué dirás?
Siente el drama negro, ve, trata de ser feliz
Oye, genial, ¿quién te hizo tan bueno?
¿Qué diste, qué hiciste, qué me hiciste?

3. mun-raSabotaje (2002)

hubo sabotaje rapero fundamental en la escena brasileña, cuya carrera musical se extiende en referencias al mundo del crimen que el músico y actor tomó en su juventud. A través de sus versos denunció la pobreza, la falta de oportunidades y toda la violencia que vio durante su viaje.

mun ra, uno de sus temas más famosos, habla de la brutalidad de los policías que vivían al límite y la miedo a la muerte todos los dias.

Pero, en el barrio, llevo a mi hijo, en la fe venía, en la fe seguiré,
Dios me salvó de la vista de la policía, pero, lo niego, no me quedo, no juego, ni vuelo,
Lo niego, solo veo los restos
de los pobres que amanecen con odio,
El ángel del cielo no puede ser un protector

Al comentar sobre la necesidad de esquivar las balas, Sabotage parece haber profetizado su propio final. En enero de 2003, en las calles de São Paulo, el artista recibió dos disparos en la columna vertebral y murió a consecuencia de sus heridas.

Su música, sin embargo, perduró a lo largo de los años e influyó en la generación de Conradh na Gaeilge. raperos más joven.

4. Sólo Dios es mi juezProyecto de ley MV (2002)

Sólo Dios es mi juez Es una canción música rap y uno de los mayores éxitos de MV Bill, un famoso músico brasileño. En la letra, reflexiona sobre su realidad como hombre brasileño, negro y marginadomostrando que tuvo que luchar duro para sobrevivir.

Tomará mucho más para hacerme volver de eso
No es fácil bajar mi autoestima
Ojos abiertos fijos en el cielo
Preguntándole a Dios qué papel jugaré
Cierra la boca y no reveles mis pensamientos.
Miedo de que puedan causar vergüenza.
¿Es asi? no cumplir una promesa
Baja la cabeza y permanece en silencio

Aunque siente que la sociedad lo rechaza y busca su silencio, sigue negando la opresión y cuestionándose su lugar en el centro de la arena.

Con uno de los versos más polémicos y famosos de la composición, MV Bill resume la situación de pobreza que vio de cerca: “En la tierra del carnaval, la gente no tiene ni para comer”.

El prejuicio sin concepto ablanda la nación
Niños abandonados incluso después de la eliminación
Más de 500 años de angustia y sufrimiento
Encadenado a mí pero no a mis pensamientos

Por lo tanto, la música se utiliza como vehículo para denunciar el racismo, desigualdades socioeconómicas y también la corrupción, que muestra cómo la justicia puede funcionar de diferentes formas, dependiendo del estatus del ciudadano.

Orden y progreso y perdón
En la tierra donde los que mucho roban no es para ser castigado

5. respiraderomarcelo d2 (2008)

Marcelo D2, vocalista de la banda Planet Hemp, se ganó al público nacional con el golpe de arrebato en 2008. A pesar del contagioso ritmo de la música, los versos de Marcelo transmiten pensamientos poderosos sobre su contexto social.

Con un enfoque positivo, el rapero obtener un pase un mensaje de esperanza a los que escuchan:

Por el bien de una vida mejor mantengo mi fe
Menos desequilibrio, menos disparos en el pie
Dicen que lo bueno supera a lo malo
Aquí espero llegar al final

Sin embargo, como lo indica el título, el tema es una forma de expresar todo lo que ha visto en el país, expresando su punto de vista. Entre otros temas, aborda la la conducta violenta de las autoridadesmostrado en la película Escuadrón de élite de José Padilha.

Usando el ejemplo de Capitão Nascimento, el protagonista del reportaje, quien dice que muchos de los policías no se preparan lo suficiente y terminan siendo más odiados.

Finalmente, concéntrese en la persona que está escuchando. Recuerde que el resto de la sociedad no puede observar toda la violencia: debe encontrar la forma de intervenir.

Tú quieres paz, yo también la quiero.
Pero el estado no tiene derecho a matar a nadie.
No hay pena de muerte aquí, pero el pensamiento continuó
Matar el testamento de nacimiento del capitán
Quien, sin entrenamiento, demuestra ser un incompetente
El ciudadano, en cambio, dice que es impotente, pero
La impotencia tampoco es una opción
Para tomar su propia responsabilidad
¿Eh?

6. mandumemicida (2015)

mandum Es un tema de Emicida, uno de los más publicados en los últimos años, en sociedad con artistas emergentes como Mel Duarte, Drik Barbosa, Amiri, Rico Dalasam, Muzzik y Raphão Alaafin.

es una cancion de rechazar una postura pasiva que la sociedad tantas veces impone, con sus prejuicios:

ellos quieren a alguien
que viene de donde venimos
Sé más humilde, baja la cabeza
No te defiendas, finge que olvidaste todo
quiero que ellos...

como el rapero explicó en una entrevista con Billboard Brasil, la canción es una especie de liberadodespués de "quinientos años con ese grito encerrado en el pecho".

El nombre música rap es un homenaje a Mandume ya Ndemufayo, rey de Kwanyama y figura central en la resistencia contra la colonización portuguesa. En la lucha contra la discriminación racial, los artistas llegaron para dar voz a una nueva generación que quiere acabar con los prejuicios.

Porque más que un latido
pesado y hace eco en tu mente
la herencia del mandume
Y mientras mi generación sienta, amigo mío,
ya no con impunidad

7. una punta de lanzaRecon Sapiencia (2016)

Ricon Sapiência llegó como un soplo de aire fresco en Panorama música rap nacional. El músico y poeta inició su carrera en el año 2000, y la triunfó nueve años después, con Elegancia.

A través de impresionantes ritmos y rimas, su obra se distingue por su fuerza esperanza y positividad. Lucha contra los estereotipos negativos, lecciones avanzadas de Ricon de autoestima y poder negro.

Caliente como la plancha sobre el rizado, no
rizado tan armado
Hago un punto de ponerlo en mi texto
Que los negros y los negros están enamorados

8. pseudosocialFroide (2016)

Froid es parte de la nueva generación hip hop El comentario político y cultural de Brasil se cruza con su obra musical. pseudosocialuna de sus composiciones más famosas, hablando de la el sistema educativo brasileño.

El futuro tendrá medicina, el futuro es literatura.
Escolástica, hay pura magia en las matemáticas
Sin acosar a los estudiantes, sin censura.
En un espacio más abierto para filosofar la cultura

Mientras habla de la libertad que quiere ver en los espacios escolares, critica la realidad, que es mucho más dura y oscura. A menudo representada como un lugar restringido, la escuela no siempre ayuda en la formación de ciudadanos, perpetuando la discriminación.

potencial de bloque
Fíjate bien en tus callos
Creaste un animal
algo increíble
es prejuicio racial

9. Negro de la QuebradaFlora Matos (2017)

nombre destacado i música rap femenina, Flora Matos ha conquistado a sus fans en Brasil y en todo el mundo. En 2017, lanzó el Sencilla Preta de Quebrada, donde reflexiona sobre su viaje. Identificarse a sí mismo como alguien que proviene de un entorno simple muestra que ha trabajado duro para obtener todo lo que tiene.

La canción también representa independencia, confianza en uno mismo y fuerza de una mujer que sabe lo que vale. De esa manera, sabes que no necesitas a nadie para vivir la vida que deseas, y ni siquiera debes aceptar una relación que no valoras.

siempre enfocado en música rappersiguiendo sus sueños y recomienda que todos hagan lo mismo, asumiendo la responsabilidad de su propia felicidad.

Es hora de recordar que solo tu amor propio sana
Si falló, agárralo.
Nadie merece ser quitado de un tonto
Mi sentimiento habla, habla al alma
Y mi mente concluye que merezco respeto
Soy una mujer con garras, negro roto
Y mi comodidad es lo que paga mi dinero
Y ya sea en la favela o en el edificio, estoy en casa
rapeo bien para no perderme nada
seré millonario, millonario
Eso depende de tener un hombre en mi mierda
doy mi paseo
Soy un ejemplo vivo de una mujer que nunca para

10 AlivioJuglar (2017)

Minstrel es una de las voces jóvenes de la música rap Brasil se hizo más popular a través del proyecto musical. Poetas en la cimaen PineappleStorm TV. Alivio y el único que da nombre al primer álbum del artista, lanzado en 2017.

la musica comienza ejemplo del doblaje de la misma el libro eliuna película estadounidense sobre un hombre que camina en un mundo post-apocalíptico tratando de dar esperanza a los que quedan.

En el discurso de apertura podemos escuchar la frase: “Imagínense qué diferente, qué justo sería este mundo si tuviéramos las palabras adecuadas para nuestra fe”.

En la esquina de mi calle hay un bar
No necesitaba odiar el establecimiento
yo se lo que vas a preguntar
No odiaba la cachaça, pero ver a mi padre beberla

A los quince superé la adicción
Como él, lo que nos mata a los dos es refugio de refugio
Hay nostalgia en el fondo de su vaso.
Encima de mi cigarrillo está la angustia del mundo

El título de la canción hace referencia a la imaginería religiosa: un relicario es un objeto que se utiliza para guardar imágenes de santos. Aquí, el tema parece recoger recuerdosepisodios del pasado rapero para marcar tu camino. Entre esos recuerdos está la adicción del padre al alcohol, que se hizo evidente en el comportamiento de un hijo

En un pasaje conmovedor, explica que fueron las debilidades de los dos las que los llevaron a tratar de escapar de la realidad y sucumbir a las adicciones. Es, por tanto, un testigo importante y sincero, así como una historia de él. Resiliencia.

11 elevación mental, Triz (2017)

TRIZ evolucionó para expandir mentes y fomentar la reflexión sobre nuestra forma de ver el mundo. Esto se vuelve bastante notable i Sólo elevación de la mente, uno de sus mayores éxitos. En los versos habla en contra de los juicios de valor basados en la imagen de las personas y cómo afecta a sus vidas, expresando palabras de aliento a cualquiera que escuche.

La cordura escasea en el mundo de las apariencias
Nunca te calles frente al opresor
No dejes que el sistema te quite el amor

De este modo, defiende que todo el mundo debe ser tratado respeto y dignidad y que todos podamos beneficiarnos de una sociedad más justa y más consciente de la diversidad. Su mensaje es inspirador y alentador, como si TRIZ fuera un portavoz de un nuevo mundo que está en camino.

Sé inteligente, abre tu mente
El mundo es de todos, no seas arrogante
Ser gay, ser trans, negro u oriental
Es un corazón que late en el pecho
Cada individuo no es discutido
Sé alto, busca altura

12 Boca de un loboCriollo (2018)

Criolo ya entró en la historia de la música nacional y reunió a grandes personalidades en Brasil y en el exterior. Boca de un lobolanzado en 2018, es un canción de negación a la luz de varios problemas sociales preocupantes como el racismo, la pobreza y la exclusión.

Cuando la piel negra puede molestar
Un litro de Pinho Sol para que corra un negro
La tuberculosis lo hace llorar en prisión
La ley da ejemplo aquí: otro negro para matar

En los primeros versos, Criolo critica la el sistema judicial y la inseguridad de las cárceles. Esta es una referencia al caso de Rafael Braga, un vagabundo que fue detenido en 2013 con un paquete de sol de pino que la policía pensó que estaba destinado a crear explosivos.

También menciona el esquema de tráfico en São Paulo y los peligros cotidianos, criticando la hipocresía de quienes continúan alimentando el "negocio" y su ciclo de violencia:

Dice que está en contra de la trata y ama a todos los niños
Solo te veo en la puntera, activista de la semana

13 bluesBaco exu do blues (2018)

Baco Exu do Blues ha demostrado que es una de las nuevas maravillas de la música brasileña. bluesun álbum lanzado en 2018, acompañado de un cortometraje del mismo título, dirigido por Douglas Ratzlaff Bernardt, que ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes en 2019.

En el único título del álbum, Baco adopta una postura negativa hacia la sociedad racista, al mismo tiempo que pretende valora la cultura negra y su legado en el escenario mundial.

A partir de ahora considero todo blues
Samba es blues, rock es blues, jazz es blues
Funk es blues, soul es blues
Soy Exu por Blues
Todo cuando era negro era del diablo
Y luego se puso blanco y asumió que lo llamaría el blues

Centrándose en las artes y especialmente en la música, enumera las diversas influencias que estaba siendo captada por la cultura blanca dominante, al mismo tiempo que recreaba los prejuicios raciales.

Es un tema escalofriante que abre uno de sus discos contemporáneos favoritos. música raprevelando el proyecto de concientización hecho por Baco.

Más información al respecto rapero y lea nuestra revisión detallada del registro de Bluesman.

14 Déjame vivirKarol de Souza (2018)

Déjame vivir es una canción sobre eso diversidad y aceptación físico, en el que Karol de Souza afirma la urgencia de amarnos tal como somos. Está para desafiar los estándares de belleza prevalecientes ese límite y cuerpos policiales "fuera de norma".

El artista da un mostrar amor propio, recordando a todos sus fanáticos que hay muchas maneras de ser bella y que no deben dejarse "cerebrir" por la moda y los medios.

Aunque las portadas de las revistas sigan vendiendo delgadez
Cada clip de mi cuerpo
Y cada línea de expresión en mi cara
Son partes fundamentales de mi belleza.
Tío, no es que nuestro ejército de pelo
Nuestro pelo es una de nuestras armas
Para combatir este estereotipo roto
completamente desactualizado

Lea más sobre Karol de Souza y otros artistas en 5 canciones inspiradoras de cantantes brasileños actuales.

15. serDjonga (2019)

Hoy en día, es casi imposible no hablar de Djonga. El joven se acercó tapas con "sangre en los ojos", dotado de un gran talento y unas rimas que no escatiman críticas. Entre otros temas, su trabajo se centra en temas de racismo, clasismo y violencia.

yo ser, segunda pista del disco un ladrón (2019), Djonga reflexiona sobre la sistema de narcotráfico y la forma en que participan los niños de la periferia. Por ejemplo, utiliza la figura de Bené, el famoso personaje de la película ciudad de Dios.

Hace años pensé que era dueño del mundo
Me di cuenta hoy, hermano, que él significa el mundo para mí.
Luché con la razón, con la lógica, con la alegría
Hasta que veas que apenas ha comenzado a encontrar un final
Dicen que mi conversación es demasiado profunda
Hermano, nunca salté a nadar
Somos tan grandes como los océanos, pero nunca pacíficos.
voy a pelear contra elis
Demonios, es mejor vivir que soñar

A diferencia de su socio, Zé Pequeno, el bandolero no era agresivo ni ávido de poder, veía el crimen como una forma de sobrevivir. Djonga parece decir que ese es el caso de muchos brasileños que recurren al narcotráfico porque buscan una salida a la miseria.

Sin embargo, esto escapar es ilusorio y tarde o temprano termina en tragedia. Esto se puede ver en el destino de Bené quien, en la película, estaba a punto de salirse del tráfico y estaba en camino cuando murió por una bala perdida. En la música, el rapero para advertir de los riesgos de esta vida y las posibles consecuencias fatales, repitiendo en el coro: "Toma la visión, no te pierdas".

a quien le gusto música rap de Donga, explora también nuestra reseña de la película Ciudad de Dios.

Gran cultura i Spotify

Enviamos este y otros éxitos desde música rap nacional en un lista de reproducción llena de ritmo y poesía. Escucha a continuación:

La entrada 15 canciones de rap brasileñas que te harán pensar se publicó primero en culturageneral.com.

Concierto El fantasma de la ópera (resumen y análisis)

Jose — Wed, 12 Oct 2022 02:54:19 +0000

El fantasma de la ópera (Le Fantôme de l'Opéra) es un libro francés de ficción gótica, escrito por Gaston Leroux y publicado por primera vez en capítulos entre septiembre de 1909 y enero de 1910.

La obra se centra en un genio de la música con el rostro desfigurado que vive en las catacumbas de un teatro de ópera de París. El protagonista oscuro se hizo popular entre el público francés y luego se convirtió en un éxito internacional.

la figura de El fantasma de la ópera Se ha popularizado a través de adaptaciones, sobre todo el musical de Broadway de 1986. Creado por Andrew Lloyd Webber, Charles Hart y Richard Stilgoe, el espectáculo continúa en el escenario, muchos años después, rompiendo el récord de resistencia y siendo el musical más visto de todos los tiempos.

resumen de la historia

El fantasma de la ópera la trágica historia cuenta un triángulo amoroso ambientado en el backstage de una ópera de París. El personaje principal, una entidad enmascarada a la que le gusta el lugar, se enamora intensamente de Christine, la joven soprano huérfana traída por la compañía. Durante años, por las noches, ella escucha su voz y él enséñale a cantardiciendo que es el "Ángel de la Música".

Entra Raoul, el nuevo mecenas del teatro, y la rutina cambia: era el amor de infancia de la niña. El Fantasma amenaza y ataca al prima donna, Carlotta, la cantante principal, reemplaza a Christine. Después de verla en el escenario, el patrón la invita a salir.

El Fantasma está furioso por los celos, se enfrenta a la chica y la secuestra. es la soprano llevado al inframundo donde vive el Fantasma. Te confiesa su amor diciendo que necesita tu compañía y tu voz para la música que hace.

Ella trata de ver su rostro y le arranca la máscara, provocando la ira y la vergüenza del hombre. Él permite que Christine regrese al teatro y la cantante decide fugarse con su novio, pero ella es secuestrada nuevamente y Raoul también es rehén. El personaje principal se niega a casarse con el Fantasma, pero ella acepta para salvar la vida de su amante.

Cuando la joven se levanta la máscara para besar su rostro, el Fantasma admite que nunca ha sido besado, ni siquiera por su madre. Los dos lloran, sus lágrimas mezcladas, en un momento de intimidad y grandes emociones.

luego él deja ir a cristina con Raoul, pero la chica le promete que volverá cuando él muera, que él le devolverá el anillo de oro que le regaló. Tiempo después, muere "de amor" y el cantor regresa a la Ópera para enterrar su cuerpo en un lugar escondido, devolviendo su anillo.

Adaptación musical y teatral

La adaptación al teatro musical de la novela de Leroux está escrita y compuesta por Andrew Lloyd Webber, con letra de Charles Hart y Richard Stilgoe. Con el duración 2h30mEl programa contó con Sarah Brightman, Michael Crawford y Steve Barton en el elenco principal.

Entre los diversos temas, algunos de ellos se destacaron, por ejemplo, "Piensa en mí", "Ángel de la música" y "Música de la oscuridad".

En "Think of Me", Christine demuestra sus habilidades vocales por primera vez al resto del grupo. Cuando la cantante principal abandona la obra, la joven soprano la encuentra una oportunidad de brillar.

Aunque empieza tímido, termina ganándose la atención de todos. Los versos parecen vaticinar su despedida, que sucede tiempo después, pidiéndoles que no la olviden.

"El ángel de la música" es un un dueto entre la niña y el Fantasma, que está furiosamente celoso de Raoul, el vizconde que vino a la Ópera. La joven pide perdón y suplica al "ángel" que se revele, hasta que ve su reflejo en un espejo.

En "Music of Darkness", Erik presenta su reino subterráneo para la soprano y trató de convencerla olvídate del resto del mundo y quédate con él allí.

Numerosos análisis muestran que el nivel de innovación de las canciones compuestas por Fantasma (en su ópera "Don Juan Triumfante") contrasta con las formas tradicionales presentes en las demás canciones del espectáculo, destacando su talento y genialidad.

En Brasil, el espectáculo se estrenó en 2005, en el Teatro Abril de São Paulo. El fantasma de la ópera es el espectáculo de mayor duración en Broadway, habiendo superado las 10.000 sesiones en 2012.

Personajes principales

erik el fantasma

Protagonista y personaje principal, el El fantasma de la ópera es un hombre nacido deforme y por lo tanto rechazado por sus padres. Se escondió en las mazmorras de la Ópera, donde descubrió su amor por la música y se enamoró de Christine. Dispuesto a todo para tenerla de su lado, decide secuestrarla y obligarla a casarse, pero al final libera a la joven.

cristina dae

Christine era hija de un violinista, Christine quedó huérfana durante su infancia y finalmente fue acogida por el elenco del Musical. Durante la noche, escuchó una voz que le enseñó a cantar y decía ser un ángel, enviado para protegerla. Al mismo tiempo que logra el éxito como soprano, encuentra a Raoul, su primer amor, y se convierte en víctima de la obsesión de Erik.

Raoul, vizconde Chagny

Raoul es el nuevo mecenas del teatro. Se vuelve a conectar con Christine, su novia de la infancia, y la vuelve a sentir. Cuando se da cuenta de que el teatro está bajo amenaza y que la joven está siendo manipulada por Erik, toma todos los riesgos para tratar de salvarla.

Análisis y trama de la música.

Prólogo

El espectáculo comienza en 1905, en la Opera Populaire, durante una subasta. Raoul, un anciano, compra un lote donde se guardan artefactos antiguos relacionados con el Fantasma de la Ópera.

Cuando levantan la cortina del candelabro comprado, mágicamente se ilumina y se eleva, parándose en la parte superior del escenario. La escenografía cambia, como si los años retrocedieran y el teatro volviera a la época de esplendor.

Acto I

En el primer acto, el año es 1881 y Carlotta, la estrella del espectáculo, está ensayando cuando comienzan a ocurrir fenómenos explicables y los artistas en el escenario gritan que el Fantasma está presente. LA prima donna, asustado, se niega a continuar y abandona el lugar.

Madame Giry, la supervisora de ballet, sugiere que Christine, la joven soprano que creció en la Ópera, haga una audición para el papel. Ella canta "Think of Me" y su habilidad y técnicas vocales asombran a todos los presentes.

Tras el éxito de su debut, la niña le confiesa a su amiga Meg que su maestra es una voz que escucha en las noches, desde pequeña, llamada el "Ángel de la Música".

Ese amanecer conoce a Raoul, su viejo amigo y nuevo mecenas del teatro. Hablan del padre de Christine, que murió, y la soprano le dice que le envió un un ángel que la guarda y le enseña a cantar. Aunque la pasión se reaviva entre los dos, ella se niega a ser invitada a cenar alegando que su amo es demasiado estricto.

Celosa, Christine ve al Fantasma en un espejo por primera vez y la lleva de la mano a su escondite. En una de las escenas más famosas del musical, cruzan un lago subterráneo en un bote mientras cantan "El Fantasma de la Ópera".

la figura misteriosa le declara su amor a la cantante y dice que necesita su voz para dar vida a sus composiciones musicales. Curiosa, levanta la máscara y ve su rostro deformado. Adopta un comportamiento violento, gritando y golpeando el piano. Luego, conmovido, confiesa su sufrimiento y su deseo de ser como los demás.

El Fantasma envía una nota al director de la Ópera, exigiendo que Christine sea la estrella del próximo espectáculo y advirtiéndole que se vengará si no cumple. Entonces, mientras Carlotta está en el escenario, él convierte su voz en un croar de rana. De repente, el cuerpo de un empleado del teatro, que siempre hablaba mal del Fantasma, aparece en el escenario y causa pánico entre el público, mientras se escuchan risas malvadas.

La joven logra escapar al techo con Raoul y le cuenta todo lo que pasó en el escondite del Fantasma. Aunque al principio no le cree, el patrón le declara su amor y promete protegerla. El Fantasma escucha la conversación y, enojado, deja caer el candelabro en el escenario.

acto II

Después del incidente del candelabro, el Fantasma reaparece frente a todos durante un baile de máscaras, vestido como la Muerte Roja. Anuncia que ha escrito un musical llamado "Don Juan Triunfante" y exige que se represente de inmediato, con Christine como cantante principal.

Raoul, sabiendo que el Fantasma estará presente en el estreno, intenta convencer a su amada para que lo ayude a tenderle una trampa, pero ella se resiste a traicionar a su amo.

El Vizconde descubre, a través de Madame Giry, que una entidad misteriosa un un genio musical con poderes magicos quien decidió, por su rostro deformado, esconderse en las catacumbas de la Ópera.

Durante la obra, la joven se da cuenta de que está jugando frente al propio Fantasma y vuelve a quitarle la máscara, esta vez frente a todos. En ese momento, el cuerpo del actor que se suponía que estaba en el escenario se encuentra detrás del escenario.

Con la confusión, el Fantasma secuestra a Christine, no sin antes arrestar a su rival. Obliga a la joven a usar un vestido de novia, anuncia que se casarán y amenaza la vida de Raoul si ella se niega.

En una emotiva conversación, la soprano le dice al Fantasma que su deformidad está en el alma y no en el rostro, besándolo como gesto de simpatía. El gesto despierta el lado humano del "monstruo" que decide dejar ir juntos a los dos amantes.

Interpretaciones y significado del Fantasma de la Ópera

Pueden surgir diferentes lecturas e interpretaciones sobre la novela de Leroux y la ópera que la originó. A pesar de todos los delitos que comete y muestra un comportamiento agresivo, egocéntrico y obsesivo, la figura del Fantasma ha conquistado la simpatía y empatía por tu audiencia.

Exclusión y marginación

De hecho, aunque amenazante, la figura también muestra su lado más sensible, su corazón roto con el mundo que lo rechazó. A pesar de su indudable talento musical, se ve obligado a vivir en las sombras, ya que la deformidad de su rostro asusta a todos los que lo conocen.

Para que su canto tenga éxito, el Fantasma necesita la voz y la belleza de Christine. En este sentido, esto parece una historia. marginar a los que son diferentesque están fuera de los estándares actuales y, por lo tanto, no tienen la oportunidad de crecer o ascender en la vida.

soledad y abandono

Continuando con lo anterior, la obsesión del Fantasma con Christine puede provenir de su necesidad de contacto social y humano. A través de lecciones de canto, a lo largo de los años, el hombre solitario crea una conexión emocional con la niña.

Esta teoría se ve reforzada por la terminación de la relación. Cuando Christine lo besa en la mejilla, el Fantasma, por primera vez, siente amor y comprensión por él. El gesto de la soprano parece ser la validación y aceptación que necesitaba, permitiéndole irse más tarde.

Una metáfora de la creación artística.

Otro análisis común es el análisis que sugiere que Raoul es un símbolo del amor y la vida familiar, mientras que el Fantasma sería una metáfora del arte mismo. Como el Fantasma, el arte de Christine, el canto lírico, sería un maestro estricto y exigente que pretendía ocupar todo su tiempo e influir en su vida.

El triángulo amoroso sería entonces el conflicto interno de la joven, atrapada entre la vida burguesa, el deseo de casarse y formar una familia y la ambición de superación en su carrera.

triangulo amoroso abusivo

Una mirada contemporánea a la historia, especialmente la que brinda la película de 2004, no puede ser indiferente al carácter abusivo de la relación de Christine con el Fantasma de la Ópera y el Vizconde de Chagny. Como una cuerda tirada por sus manos, la niña se para en el medio guerra de egos.

Christine se ve obligada a elegir entre un hombre que la secuestra y quiere casarse con ella y otro hombre que la obliga a abandonar su carrera y huir. Por lo tanto, la mujer no es libre de elegir y al final abandona su profesión.

adaptaciones cinematográficas

Además de la famosa adaptación al teatro musical, el libro de Gaston Leroux ha sido trasladado a las artes visuales en numerosas ocasiones, con más o menos fidelidad a la historia original.

El fantasma de la ópera (2004), Joel Schumacher

La última adaptación cinematográfica es también la más cercana al musical de Broadway, manteniendo su trama y canciones originales en el espectáculo. La película de Schumacher fue un éxito y fue nominada al Oscar y al Globo de Oro en 2005, recuperando el mito del Fantasma encapuchado.

El fantasma de la ópera (1925), Ruperto Julián

La primera representación en el cine fue en blanco y negro. En la película muda, el personaje principal siempre se ve sin máscara, revelando su rostro aterrador. Rechazado por Christine, secuestra a la cantante, que finalmente es rescatada por la policía.

El fantasma de la ópera (1943), Arturo Lubin

En esta adaptación, la historia ha cambiado mucho y Erik es un violinista de la orquesta que se enamora de Christine, una cantante con pocas habilidades vocales. Por amor, comienza a pagar lecciones de canto para que la soprano mejore, mientras su propio talento desaparece.

Finalmente el músico es despedido y se dedica a la composición, pero le roban su obra y le queman la cara con ácido cuando intenta recuperarla. Luego, se esconde en las catacumbas e idea un plan para ganarse el amor de la chica, pero muere cuando cae.

El fantasma de la ópera (1962), Terence Fisher

Eso no quiere decir que no mencioné las flores, de Geraldo Vandré (análisis de la canción)

Jose — Wed, 12 Oct 2022 02:47:16 +0000

Geraldo Vandré escribió y cantó la canción "Pra no digas que no hablé de las flores" en 1968, y obtuvo el segundo lugar en el Festival Internacional de la Canción de ese año. El tema, también conocido como "Caminhando", fue uno de los mayores cantos de resistencia contra el sistema militar dictatorial vigente en la época.

El régimen censuró la composición y la policía militar persiguió a Vandré, quien tuvo que huir del país y optar por el exilio para evitar represalias.

Letra

Caminando y cantando y siguiendo la canción
Todos estamos en la misma mano o no
En escuelas, calles, parques, edificios
Caminando y cantando y siguiendo la canción

Ven, vamos, no esperes a saber
Quién sabe, es hora, no esperes a que pase

En los campos hay hambre en las grandes plantaciones
Por las calles marchando cuerdas inciertas
Hacen que la flor se mantenga aún más fuerte
Y creen en las flores que ganaron el arma

Ven, vamos, no esperes a saber
Quién sabe, es hora, no esperes a que pase

Los soldados están armados, amor o no
Casi todos perdidos con armas en mano
En el cuartel les dan una lección milenaria
Morir por la patria y vivir sin razón

Ven, vamos, no esperes a saber
Quién sabe, es hora, no esperes a que pase

En escuelas, calles, parques, edificios
Todos somos soldados, armados o no.
Caminando y cantando y siguiendo la canción
Todos estamos en la misma mano o no
El amor en la mente, las flores en el suelo
Certeza por delante, historia en mano
Caminando y cantando y siguiendo la canción
Aprendiendo y enseñando una nueva lección

Ven, vamos, no esperes a saber
Quién sabe, es hora, no esperes a que pase

Análisis e interpretación

Con sonido de himno, el tema sigue un esquema de rima simple (AABB, es decir, el primer verso rima con el segundo, el tercero con el cuarto y así sucesivamente). También utiliza un programa de lenguaje común, con una letra que es fácil de memorizar y transmitir a los demás.

Por tanto, parece referirse a las canciones utilizadas en marchas, protestas y manifestaciones contra el régimen, que se difundieron por todo el país en 1968. La música se utilizó, por tanto, como herramienta de lucha, que se pretendía difundir directa y mensajes concisos, ideológicos y de rebeldía.

Caminando y cantando y siguiendo la canción
Todos estamos en la misma mano o no
En escuelas, calles, parques, edificios
Caminando y cantando y siguiendo la canción

Así lo muestra la primera estrofa, con los verbos "caminar y cantar", que remiten directamente a la imagen de una marcha o protesta pública. Los ciudadanos son "todos iguales", aunque no exista relación entre ellos ("de la mano o no").

Protesta en 1968 para poner fin a la dictadura militar.

Refiriéndose a "escuelas, calles, parques, edificios", Vandré pretendía mostrar que personas de todos los estratos sociales y con diferentes ocupaciones e intereses estaban juntas y marchando por una misma causa. La necesidad de unión es clara y el recordatorio de que todos querían lo mismo: libertad.

Ven, vamos, no esperes a saber
Quién sabe, es hora, no esperes a que pase

El estribillo, que se repite una y otra vez a lo largo de la canción, es un llamado a la acción y la unidad. Geraldo habla directamente a quien escucha la canción, llamando a la pelea: "Ven". Con el uso de la primera persona del plural (en “let go on”), le da una dimensión colectiva a la acción, recordando que seguirán juntos en la lucha.

Al decir que “esperar es no saber”, el autor enfatiza que quienes conocen la realidad del país no pueden esperar de brazos cruzados a que las cosas cambien. El cambio y la revolución no se la van a dar a nadie en bandeja, hay que actuar rápido (“quién sabe a qué hora, no esperes a que pase”).

En los campos hay hambre en las grandes plantaciones
Por las calles marchando cuerdas inciertas
Hacen que la flor se mantenga aún más fuerte
Y creen en las flores que ganaron el arma

En este verso, el miseria donde vivían los agricultores y campesinos y la explotación a la que eran sometidos ("hambre en las grandes plantaciones"). También hay fuertes críticas a los pacifistas que pretendieron resolver la crisis política con diplomacia y de común acuerdo, organizados en "cuerdas inciertas".

Retrato de Jan Rose Kasmir frente a soldados estadounidenses con una flor, 1967.

Los ideales de "paz y amor" promovidos por el movimiento contracultural hippie, Oh flor energía, que está simbolizado por flores (el "estribillo más fuerte"). Se enfatiza su inadecuación frente al "arma" (la fuerza y violencia de la policía militar).

Los soldados están armados, amor o no
Casi todos perdidos con armas en mano
En el cuartel les dan una lección milenaria
Morir por la patria y vivir sin razón

Aunque las fuerzas militares imaginaron al enemigo, al poder dictatorial, la música no deshumaniza a los soldados. Al contrario, recuerda que estaban “casi todos perdidos con las armas en la mano”, es decir, usaban la violencia, mataban, pero no sabían ni por qué. Obedecían las órdenes a ciegas, debido a la lavar el cerebro que sufrieron: la "vieja lección / De morir por la patria y vivir sin razón".

Soldados brasileños durante la dictadura militar.

Los soldados, encabezados por un el espíritu del falso patriotismotuvieron que dedicar su vida y muchas veces morir al sistema que defendieron y del que también fueron víctimas.

En escuelas, calles, parques, edificios
Todos somos soldados, armados o no.
Caminando y cantando y siguiendo la canción
Todos estamos en la misma mano o no
El amor en la mente, las flores en el suelo
Certeza por delante, historia en mano
Caminando y cantando y siguiendo la canción
Aprendiendo y enseñando una nueva lección

En la última estrofa se refuerza el mensaje de igualdad entre todos los ciudadanos y la urgencia de unirnos para la lucha, porque sólo a través del movimiento organizado podría llegar la revolución.

La canción les recordaba seguir con los "amantes en mente", pensando en las personas que amaban y que fueron víctimas de la represión militar. Para ganar, era necesario dejar "las flores en el suelo", es decir, abandonar un enfoque pacifista.

En sus manos estaba la "historia", la posibilidad de cambiar la realidad del país y el futuro de todos los brasileños. Deben seguir “caminando y cantando” y “aprendiendo y enseñando una nueva lección”, transmitiendo sus conocimientos, despertando a otros a la militancia.

musica significativa

"No quiere decir que no mencioné las flores" es un una invitación a la resistencia política radicalConvocatoria a todas las formas de lucha necesarias para derrocar a la dictadura.

Geraldo Vandré habla de flores para intentar demostrar que no es suficiente usar "paz y amor" para luchar con armas y cañones, enfatizando que la única forma de ganar es a través de la unidad y el movimiento organizado.

Contexto histórico

1968: represión y resistencia

En 1968, Brasil enfrentó uno de los peores momentos de represión política, la institución del AI-5: una serie de leyes que otorgaron poderes casi ilimitados al régimen.

Ante el autoritarismo y varios episodios de violencia policial, los estudiantes universitarios comenzaron a movilizarse realizando protestas públicas que fueron respondidas con agresiones, órdenes de captura y, en ocasiones, asesinatos.

Poco a poco, estas protestas se extendieron por todo el país y otros grupos se sumaron al movimiento: artistas, periodistas, sacerdotes, abogados, madres, etc.

Censura

Retrato de actores brasileños en protesta contra la censura.

A pesar de la amenaza de censura, prohibición y persecución, la música fue uno de los vehículos artísticos utilizados para transmitir mensajes de carácter político y social.

Los intérpretes eran conscientes del peligro que corrían cuando revelaron públicamente sus puntos de vista, pero arriesgaron sus vidas para desafiar el poder establecido y enviar un mensaje de fuerza y coraje a los brasileños.

Muchos años después del Festival Internacional de la Canción de 1968, uno de los jueces admitió en una entrevista que "No quiero decir que no mencioné las flores" fue el tema ganador. Vandré quedó en segundo lugar debido a las presiones políticas sufridas por la organización del evento y TV Globo, cadena que transmitió el programa.

Geraldo Vandré: exilio y retiro de la vida pública

Geraldo Vandré en el Festival Internacional de la Canción en 1968.

Las posibles consecuencias para quienes desafiaran el poder militar eran el encarcelamiento, la muerte o, para quienes lograron escapar, el exilio.

Por "No digo que no mencioné las flores", Geraldo Vandré se puso a mirar el Departamento Político y Social y tuvo que huir.

Viajó a diferentes países como Chile, Argelia, Alemania, Grecia, Austria, Bulgaria y Francia. Cuando regresó a Brasil en 1975, prefirió retirarse del protagonismo y dedicarse a la carrera de abogado.

Su canción y el mensaje político que transmitía, sin embargo, pasó a la historia de la música y en contra de la política brasileña.

La entrada Eso no quiere decir que no mencioné las flores, de Geraldo Vandré (análisis de la canción) se publicó primero en culturageneral.com.

Música Mucha Anhelo

Jose — Wed, 12 Oct 2022 02:38:09 +0000

no mucho más Es un tema con letra de Vinicius de Moraes y música de Antônio Carlos Jobim, compuesto en 1956. Grabado por varios artistas, la canción se hizo famosa especialmente en la versión de João Gilberto, de 1958. En su voz, llegó a ser considerado el hito establecido bossa nova.

Hasta el día de hoy, sigue siendo uno de los himnos nacionales más escuchados en esos momentos de tristeza, cuando extrañamos a alguien.

también lo amas no mucho más? Así que ven y aprende más sobre música.

no mucho más: música y letras

vete mi pena
Y dile que es imposible estar sin ella
Dile en oración
déjala volver
porque ya no puedo sufrir

mucha nostalgia
La realidad es que no hay paz sin ella.
no hay belleza
Solo hay tristeza y melancolía
Eso no me deja, no me deja, no me deja

Pero si ella vuelve
Que cosa mas bonita, que locura
Porque hay menos peces nadando en el mar
Ni los besos que daré en tu boca

dentro de mis manos
Los abrazos serán millones de abrazos
Apretado así, atascado así, tranquilo así
Abrazos y besos y caricias interminables.
Que es acabar con este asunto de que tu vives sin mi

no hay paz
no hay belleza
Solo hay tristeza y melancolía
Eso no me deja, no me deja, no me deja

dentro de mis manos
Los abrazos serán millones de abrazos
Apretado así, atascado así, tranquilo así
Abrazos y besos y caricias interminables.
Que es acabar con este asunto de que tu vives sin mi

Ya no quiero este asunto tuyo fuera de mí
Detengamos este negocio tuyo sin mí

análisis musical no mucho más

La canción sigue una estructura coral, un género de música popular llamado "chorinho" que surgió en el siglo XIX en Río de Janeiro. El coro se caracteriza por la improvisación y el modelado, combinando influencias de diferentes ritmos.

La primera parte

vete mi pena
Y dile que es imposible estar sin ella
Dile en oración
déjala volver
porque ya no puedo sufrir

mucha nostalgia
La realidad es que no hay paz sin ella.
no hay belleza
Solo hay tristeza y melancolía
Eso no me deja, no me deja, no me deja

no mucho más El estallido de contenido lírico es quien sufriendo por la falta de un ser querido, de la que se separó. Cuando está triste, habla con ella y le pide que vaya a buscar a la mujer que ama y le cuente su situación.

Te pide que traigas a su novia porque, sin ella, el yo lírico está en un estado de apatíano poder disfrutar de la vida o ver el lado positivo de las cosas.

De sus palabras podemos ver que se siente atrapado en este anhelo, que parece estar eternamente condenado. Él cree, sin embargo, que la salvación puede estar en camino.

Segunda parte

Pero si ella vuelve
Que cosa mas bonita, que locura
Porque hay menos peces nadando en el mar
Ni los besos que daré en tu boca

dentro de mis manos
Los abrazos serán millones de abrazos
Apretado así, atascado así, tranquilo así
Abrazos y besos y caricias interminables.
Que es acabar con este asunto de que tu vives sin mi

Luego comienza a pensar en la posibilidad de volver a estar juntos. imagina el felicidad en el futuroenumera lo que haría si la mujer que amaba volviera a estar a su lado.

Una de las características que hace no mucho más la canción es como algunos notorios sensibilidad con lo que el contenido lírico habla de volver a ver el amor. Esto se vuelve más claro, por ejemplo, al usar diminutivos ("peixinhos", "beijinhos").

Imagina, por tanto, el encuentro del amor como un momento mágico, recibiendo al enamorado con besos, abrazos y “caricias sin fin”.

la tercera parte

Ya no quiero este asunto tuyo fuera de mí
Detengamos este negocio tuyo sin mí

Al final de la canción, el hombre le habla directamente a ella y le vuelve a decir que ya no puede soportar la separación. De esta manera, la canción parece ser una declaración de amor y, quizás, una tratando de recuperar a la mujer que le gusta.

no mucho más y bossa nova

no mucho más Se considera que la música es el comienzo de Bossa Nova, un género musical brasileño que surgió en la década de 1950. Entre los creadores del movimiento estaba João Gilberto, junto con Tom Jobim y Vinícius de Moraes, los compositores de la canción.

cubierta de disco no mucho másdesde 1959.

Lanzado en el álbum de 1959 del mismo nombre, el tema se destacó por la forma en que Gilberto cantaba y el ritmo que creaba con su guitarra. Esto, al fin y al cabo, es lo que buscaba la Bossa Nova: una nueva forma de cantar y tocar samba.

La grabación de João Gilberto fue, por lo tanto, la puerta de entrada a un nuevo universo musical que finalmente fue celebrado en todo el mundo.

Si quieres conocer otros temas del género musical, echa un vistazo a las canciones más importantes de Bossa Nova.

Historia y otras versiones de la canción.

La canción fue grabada originalmente por Elizeth Cardoso en abril de 1958, con João Gilberto en la guitarra. El tema fue lanzado en disco. Demasiada canción de amordel mismo año.

Unos meses más tarde, el músico grabaría su versión, que se convirtió en la más famosa y también le abrió la puerta a la Bossa Nova. Al mismo tiempo, el grupo vocal Os Cariocas, uno de los más antiguos de Brasil, también grabó la canción.

Finalmente, no mucho más regrabado por varios artistas brasileños e internacionales, en versiones muy diferentes. Uno de los que no podemos mencionar es Antônio Carlos Jobim, que interpreta con maestría la música que él ayudó a componer.

Por Joao Gilberto

João Gilberto Prado Pereira de Oliveira (10 de junio de 1931 - 6 de julio de 2019) fue un destacado músico y compositor brasileño.

Creativo, innovador y talentoso, se le considera una figura fundamental en la evolución de la música nacional y también el fundador de la Bossa Nova.

João Gilberto y su primera esposa, Astrud, en 1964. (Jornal do Brasil)

Su obra, marcada por un sonido único, fue también una de las principales tareas para la difusión de la música brasileña en el mundo.

El músico brasileño fue muy respetado en otros lugares, como los Estados Unidos de América y Europa, donde ganó varios premios.

La gran cultura de Spotify

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